o poema

espelho, és a terra onde as raízes rebentam de mistérios.
repetes as perguntas que te faço, porquê?, repetes
os olhares sem fim das coisas paradas, repetes o meu olhar.
espelho, és a parede e a pele cansada, és um silêncio a morrer a noite,
és o que ninguém quer, a verdade mais triste e cansada por dentro.
repetes as perguntas que te faço, porquê?, repetes
a desgraça, a miséria e o desespero.
espelho, quis conhecer-te e perdi-me de ti.



de José Luís Peixoto
in "A CRIANÇA EM RUÍNAS"

Caspar David Friedrich, "O Caçador na Floresta"

Vanessa Carlton: Heroes and Thieves

A TERCEIRA PARTE DO TRÍPTICO

O videoclip de "Nolita Fairytale", single de avanço do terceiro álbum de originais de Vanessa Carlton, começa com ela a destapar um piano e a começar a viajar, nele sentada, como acontecia no seu primeiro video, "A Thousand Miles". Depois levanta-se e um taxi destroi o piano. Isto, e o facto de Linda Perry ser produtora de "Heroes and Thieves", são só sinais de uma tremenda vontade de ruptura com o passado musical desta cantora/pianista/ compositora, imortalizada ao primeiro álbum pelas tais "Thousand Miles" que a canção percorreu, dos tops aos Grammies, passando (Estranhamente.) pela MTV.

Mas, se "Be Not Nobody" esse primeiro álbum, era quase perfeito, "Harmonium", o seu sucessor era uma evolução muito insatisfatória, apesar de constituir, se por si só, uma excelente e exemplar peça pop afastada de preocupações com vendas e tudo isso.
"Heroes and Thieves" é uma tentativa de fazer algo novo que não é nem mal nem bem sucedida. Se, por um lado, encontramos aqui canções fluidas e leves (Contrariando as tendências mais complexas dos primeiros dois álbuns.), por outro lado, a sonoridade ainda nos remete para a Vanessa dos dois primeiros álbuns- a simplicidade compositiva não altera a utilização dos instrumentos, que se mantêm dentro do que Vanessa costuma fazer.
Outra das curiosidades maiores neste álbum é a mesma de "Harmonium". Nesse segundo álbum, Calrton compunha algumas canções com Stephen Jenkins (Além de produtor do álbum, era o seu namorado na altura.), mas era estranho ficar-se com a sensação de que Vanessa conseguiria isso sozinha. Em "Heroes and Thieves", Carlton assina as canções sozinha ou na companhia de Jenkins ou Linda Perry, mas estas colaborações parecem inúteis. E isso é estranho, porque Perry já fez Christina Aguilera cantar algo belo em "Beautiful".

As canções são boas, não são assim tão inovadoras, mas são boas. "Hands On Me" é um bom exemplo da génese do álbum, tem uma boa construção instrumental sobre uma composição fluida, com a voz a pontuar numa utilização entre a agressividade do primeiro álbum e a excessiva inocência no segundo. O que resulta bem, tendo em conta a voz muito ameninada que Vanessa tem.
"Nolita Fairytale" é uma canção interessante, mas uma escolha errada para primeiro single (Isto é provavelmente uma imagem de marca em Carlton.), uma vez que, apesar de até nem ser má, não apresenta diferenças tão consideráveis para poder evidenciar um dos objectivos do álbum, precisamente a diferença.
"Spring Street" teria sido uma melhor opção, uma canção idílica e etérea, como poucas de Carlton.
"The One" é uma canção razoável, mas um dueto péssimo: mal se dá pela presença de Stevie Nicks. Muito má ideia.
É um pouco assim o terceiro álbum de Vanessa Carlton. Do quarto, há a esperar que seja abissalmente diferente. Mais um álbum com diferenças tão pequenas será fatal a Carlton e a nós. Uma sugestão: que tal ser produzida pelo Patrick Leonard? O melhor álbum da Madonna foi produzido por ele...

Veredicto Final: 16/20

Vanessa Carlton - Nolita Fairytale

Videoclip de avanço de "Heroes and Thieves", "Nolita Fairytale", que começa como "A Thousand Miles". A primeira manifestação do desejo de ruptura.

A Frase

"não me importo de ser igual aos outros, logo que os outros não se julguem iguais a mim."

AGUSTINA BESSA LUÍS

in "A Alma dos Ricos" da trilogia"O Princípio da Incerteza"

2002

GRAÇA MARTINS, "Enquanto Não Se Esquece o Passado"

Kate Walsh - Tonight

Canção do novo álbum de Kate Walsh, aqui em versão simplificada ao vivo. "Tonight", uma balada, pois claro. E muito boa...

Realidade

Por causa de um livro
vieste ao meu encontro.
Era Verão, não sabias de nada
nem isso interessava. Palavras
amavam-se fora de ti,
no atropelo das emoções.
Lá chegaria a primeira vez,
o enconctro apressado num lugar
público. Desfeito o erro
ao toque da pele, não sei
se havia medo, a paixão queria-me
no lugar exacto do teu coração.
Palavras enrolam-se na sombra
da vida a dor do sentimento.
Atingido o espírito, o tempo
da infância, a realidade. Em ti
a solidão que o prazer não mata.
Quero a beleza dos versos revelada.
Alguns anos passaram sobre
a nossa história que não acabou.
A tarde envelhece e escrevo isto
sem saber porquê.

.
ISABEL DE SÁ,
"Erosão de Sentimentos"

Björk - Declare Independence

Boas noticias para todos os Bjorkianos... "Declare Independence", o 3º single de "Volta" já tem vídeo, de Michael Gondry, um dos habitues...

Sia: Some People Have Real Problems

Á TERCEIRA É DE VEZ

Beck e Zero7 trouxeram Sia Furler ao mundo da música. Em “You´re The One I Want” ela junta a sua voz á de Beck, no ano de 2001, na sequência de “Simple Things” dos Zero7, em que ela dá voz a “Distractions” e “Destiny”. Em 2002, surge o primeiro registo em nome próprio. “Healing Is Difficult” era um álbum insatisfatório. A voz de Sia era a mesma de sempre, e sempre excelente. As letras eram no geral, boas, tanto eram reflexos crus e duros de experiências tristes, sendo o expoente máximo o namorado que lhe morrera há algum tempo, mas as músicas descambavam para uma desagradável pop pastilha elástica, infectadas com lembranças dos primeiros álbuns de Britney Spears ou Christina Aguilera. “Blow It All Away” ou “Drink To Get Drunk” conseguiam escapar, mas sem serem canções assinaláveis. Depois de ter passado pelo segundo álbum dos Zero7, voltou aos álbuns com “Colour The Small One”. E este sim, era um álbum bom. Não irrepreensível, mas bom e definitivamente melhor que o primeiro. Havia mais suavidade e mais complexidade, e uma densidade inacreditável. Beck escreve com Sia “The Bully”, Allan Ball escolhe “Breathe Me” para encerrar o último episódio da sua série “Sete Palmos de Terra”. Pode não ter esgotado edições nem ter levado Sia aos quatro cantos de um mundo que tivesse a seus pés, mas era um álbum a fazer justiça ás qualidades que lhe confiavam. Após um despercebido e curto registo ao vivo, “Lady Croissant”, surge o novo álbum de originais.

“Some People Have Real Problems” sera, ao que parece, uma decisão definitiva de qual o rumo a tomar. E é, desde já, a escolha acertada. Todos, incluindo Sia, percebemos que a pop dançável não é para ela. A pop melancólica, complexa e densa que inicia em “Colour The Small One”, no entanto, já é uma área em que se pode mover á vontade, e com distinção. E assim prossegue, naquele que é o terceiro álbum de originais.
Começa com uma das melhores canções do álbum, senão mesmo a melhor: “Little Black Sandals”. O esquema instrumental é simples e sem pretensões, é uma das músicas mais melódicas, e o facto de ser também uma das mais emotivas não prejudica.
Outras canções de referência serão “Lentil”, que já se dera a conhecer em “Lady Croissant”, com a sua sonoridade valseante, e os arranjos simplórios mas coesos, que ora acompanham ora guiam a voz de Sia. Parece, principalmente no final, o protótipo de uma boa canção pop. Se Christina Aguilera ou Rhianna não estivessem tão preocupadas com as vendas, talvez soassem assim.
“The Girl You Lost To Cocaine” é a composição mais agressiva, mas ao mesmo tempo a mais feminina, a lembrar os tempos de “Whatever” de Aimee Mann, ou o “Under Rug Swept” de Alanis Morissette.
“Beautiful Calm Driving”, apesar de soar por vezes a uma versão menos trágica de “Breathe Me”, vale pelo vale, e é uma canção simplesmente bela, com tudo no seu lugar: da colocação da voz, á sintonia da letra com a música, aos arranjos.
“Day Too Soon”, tal como “Lentil”, parece ser um exemplo de como devia soar a pop, e, apesar de por vezes parecer exageradamente sentimental, resulta bem.
Encontrado o bom caminho, esperemos pelo quarto álbum de Sia. Quanto ao terceiro, tem força para igualar o segundo, apesar de não ter genica para o ultrapassar.
Gostaria só de realçar o facto de nenhum dos álbuns de Sia estar publicado em Portugal. Começa a ser irónico como é que todo o lixo que a pop tem é publicado worldwide e o pouco que a pop tem de bom, fica-se pelo seu país de origem… Muito bonito.

Veredicto: 17/20

Sia - Little Black Sandals

Se nao é a melhor faixa de "Some People Have Real Problems", é uma das melhores...

David Lynch: INLAND EMPIRE

IMPÉRIO ONÍRICO

Actualmente é difícil encontrar um filme que nos faça realmente parar para pensarmos sobre ele, e mais raro ainda é aquele que, mesmo assim, em muito continua a ser ilegível. Isto se não se está a falar dos filmes do mestre David Lynch. Depois do brutal "Mulholland Drive" de 2001, as mulheres voltam a estar no centro de um mistério indecifrável em "INLAND EMPIRE".

Até aqui, é tudo o habitual nos filmes de David Lynch (Entenda-se os filmes de David Lych como "Estrada Perdida", "Blue Velvet" ou "Firewalk With Me".). Mas em "INLAND EMPIRE", que chega a público cinco longos anos depois de "Mulholland Drive", há algo de novo, de deliciosamente novo: filmadas com uma câmara digital de baixa definição, por vezes a preto e branco, as imagens parecem saídas da cabeça de Lynch sem qualquer tratamento. Por vezes a imagem é suja, escura e granulada, há elementos que parecem impossíveis de ligar com o resto do filme, mas a verdade é que tudo isto é uma realidade distorcida e deturpada, que somos priviligiados em poder ver; desde o sitcom da família de homens-coelho á rapariga perdida que a este assiste, ao ar desorientado de Laura Dern, aos alucinantes sem-abrigo.

Mas vamos por parteS. O filme centra-se (Mas não se limita.) na personagem de Laura Dern, uma actriz, Nikki, que recebe a visita de uma sinistra nova vizinha que, sem o mínimo propósito, lhe conta dois contos tradicionais polacos sobre o nascimento do mal. Além disso, ela parece saber muito sobre o filme para o qual já sabe que Nikki será escolhida para protagonizar no dia seguinte. É neste contexto que surgem, Devon (Justin Theroux) e Kingsley (Jeremy Irons), respectivamente o co-protagonista e o realizador de "On High On Blue Tomorrows". Na sequencia de um pequeno incidente, o realizador revela aos seus protagonistas que, na verdade, o filme que se preparam para fazer é na realidade um remake de um filme alemão sobre um conto polaco que nunca chegou a ser concluido, devido ao homicídio dos dois protagonistas.

É nisto que, de repente, Nikki se encontra a viver simultâneamente a sua vida, a de Sue, a sua personagem e a da actriz que interpretara Sue na pirmeira versao do filme.

Ao mesmo tempo, há uma mulher que garante á polícia que foi hipnotizada para matar uma pessoa, que não sabe quem é, mas reconhecerá quando a vir.

Todas as estas histórias se cruzarão, depois de Nikki acender um cigarro e fizer um furo no veludo e vê...

"INLAND EMPIRE" não é um filme a ser visto com um balde de pipocas numa mão e uma lata de Coca-Cola na outra. É, na realidade um filme para ser visto com muita, muita atenção, e várias vezes. É, também um dos melhores filmes de David Lynch. Pode ser imperceptível, mas, vendo pelos olhos de Lynch, é um filme realista. Se imaginarmos que tudo se passa dentro da cabeça de Nikki Grace, tudo faz sentido. O estado quase catatónico de confusão em que a actriz se encontra, as situações, cada vez mais surreais, a que é exposta, e a originalidade de todas as sequencias, faz deste filme imperdível... para todos mesmo...

Nota: 20/20

INLAND EMPIRE (Trailer)

Trailer da mais recente bizarria do mestre David Lynch...

Smokers Outside The Hospital Doors

Pull the blindfold down
So your eyes can't see
Now run as fast as you can
Through this field of trees
Say goodbye to everyone
You have ever known
You are not gonna see them ever again
I can't shake this feeling I've got
My dirty hands, have I been in the wars?
The saddest thing that I'd ever seen
Were smokers outside the hospital doors

Someone turn me around
Can I start this again?

How can we wear our smiles
With our mouths wide shut
'Cause you stopped us from singin'
I can't shake this feeling I've got
My dirty hands, have I been in the wars?
The saddest thing that I'd ever seen
Were smokers outside the hospital doors

Someone turn me around
Can I start this again?
Now someone turn us around
Can we start this again?

We've all been changed
From what we were
Our broken parts
Left smashed off the floor
I can't believe you
If I can't hear you
I can't believe you
I can't hear you

We've all been changed
From what we were
Our broken parts
Smashed off the floor
We've all been changed
From what we were
Our broken parts
Smashed off the floor

Someone turn me around
(We've all been changed from what we were)
Can I start this again?
(Our broken parts smashed off the floor)
Now someone turn us around
(We've all been changed from what we were)
Can we start this again?
(Our broken parts smashed off the floor)




TOM SMITH para os The Editors no álbum AN END HAS A START

A Frase

"You know what´s weired about dead people? How they look so perfect. When I die I want to be one big mess. That´s what life is: Messy..."

Lili Taylor como Lisa Kimmel

em

"Sete Palmos de Terra" (episódio 10 da 2ª época, escrito por Bruce Eric Kaplan)

Joao Pedro Rodrigues: "Cromo"

As Facas

Isabel Lhano: Não te Afastes

(A Concha Quadrada)

Acrílico sobre tela, 2006

Quatro letras nos matam quatro facas
que no corpo me gravam o teu nome.
Quatro facas amor com que me matas
sem que eu mate esta sede e esta fome.

Este amor é de guerra. (De arma branca).
Amando ataco amando contra atacas
este amor é de sangue que não estanca.
Quatro letras nos matam quatro facas.

Armado estou de amor. E desarmado.
Morro assaltando morro se me assaltas
E em cada assalto sou assassinado.

Quatro letras amor com que me matas.
E as facas ferem mais quando me faltas.
Quatro letras nos matam quatro facas.

MANUEL ALEGRE

Os Albuns de 2007

A minha própria selecção pessoal...

1. Bjork: Volta

Oitavo álbum da diva islandesa. Feito da ancestralidade que começava a revelar-se em "Medulla". A ouvir "Wanderlust", "Declare Independence" e "Earth Intruders".

2. Arcade Fire: Neon Bible

Podem ter dividido as opiniões dos ouvintes, mas os Arcade Fire têm no seu segundo álbum um grande álbum. Confirmações em "Intervention", "Black Mirror" ou "My Body Is a Cage".

3. Lou Rhodes: Bloom

Fora dos Lamb a música é outra. Melodiosa, simples e intimista, Lou Rhodes soma e segue. Depois da apoteótica estreia com "Beloved One", é a vez de "Bloom" dar provas da qualidade da música de Lou. Entre outras "They Say", "Bloom" ou "Chase All My Winters Away".

4. Blind Zero: Time Machine (Memories Undone)

Se o objectivo é um álbum com o melhor dos Blind Zero, nada melhor do que um álbum ao vivo para o fazer. Colectânea de várias actuações do colectivo de Miguel Guedes, "Time Machine" é uma peça indispensável na história do rock português ou não só. Por exemplo "Big Brother", "Recognize" ou a versão de "Drive" dos The Cars.

5. The Editors: An End Has a Start

Tom Smith e os comparsas regressam depois do excelente "The Back Room", com um álbum ainda melhor. A comprovar "Escape The Nest", "An End Has a Start", "Smokers Outside the Hospital Doors".

6. Tori Amos: American Doll Posse

Desdobrado em cinco, "American Doll Posse" é mais uma prova de que Tori Amos ainda tem muito para oferecer á música. Pip, Santa, Isabel e Clyde dizem amén. Conferir em "Body And Soul", "You Can Bring Your Dog", "Bouncing Off Clouds".

7. Animal Collective: Strawberry Jam

Mais selvagem que um jardim zoológico, o novo álbum de Panda Bear, Avey Tare, Deakin e Geologist é uma colecção de excelentes canções na tonalidade electrizante de sempre. Entre outras "Fireworks", "Winter Wonder Land" ou "Chores".



8. Joanna Newsom: YS

Acompanhada da sua harpa, mas tambem de nomes como Van Dycke Parks ou Bill Callahan, Joanna apresenta-nos o seu aguardado e agradavel segundo álbum. Por exemplo "Emily", "Cosmia", "Sawdust and Diamonds".

9. Patrick Wolf: The Magic Position

Pela pop, desta vez. O que é certo é que Patrick Wolf não se cansa de ser imprevisível. "The Magic Position" é feito de uma pop irresistivelmente boa: as influências certas com os arranjos dignos do lobo... "Magpie", "The Magic Position" ou "Secret Garden".

10. Panda Bear: Person Pitch

Saído dos Animal Collective, e com residência em Lisboa, Panda Bear tem em "Person Pitch" um álbum exemplar: não perde nenhuma das características que interissecamente o ligam aos Animal Collective, mas não se deixa confundir. A ouvir "Take Pills", "Ponytail" ou "I´m Not".

11. Maria João: João

Do outro lado do Atlântico chegam as canções que Maria João, agora sem Mário Laginha, interpreta neste álbum. A interpretação, essa, vem de muitos mais sítios do que possamos sequer imaginar. Sempre assim foi com Maria João. Obrigatórios "Retrato em Branco e Preto", "Choro Bandido", "A Outra".

12. Maria de Medeiros: A Little More Blue

Aos 42 anos, Maria de Medeiros mostra-nos que ainda tem muito a fazer em muitas áreas. A sua primeira incursão pela música é a interpretação de um reportório brasileiro escolhido a dedo, com ênfase para a palavra. Destaques para, entre outras, "O Quereres", "A Little More Blue" ou "O Que Será".

13. Amy Winehouse: Back To Black

Falam dela, principalmente por picarescas estórias que em nada têm a ver com música. Eu tenho uam teoria: na música, não há nada a apontar. Em caso de dúvida, "You Know I´m No Good", "Back To Black" ou "Me and Mr. Jones".

14. Tracey Thorn: Out Of The Woods

Acontece por vezes que um elemento de uma banda de sucesso, ao emancipar-se numa carreira a solo nao tenha nenhum sucesso. Assim foi com os Everything But The Girl, e Tracey Thorn. Pelo menos a qualidade ficou. A ouvir, "A-Z", "Easy", "It´s All True".

15. Matthew Dear: Asa Breed

Micro-house, house, electropop... é o que menos importa. "Asa Breed" é o melhor álbum de Matt Dear, e, certamente, um dos melhores momentos dançáveis de 2007. Assim em "Fleece On Brain", "Elementary Lover" ou "Neghborhoods".

Control (Trailer)

http://www.youtube.com/watch?v=7c2_B_cWK_M

Trailer do mais recente filme de Anton Corbijn, sobre os Joy Division em particular sobre Ian Curtis. "Love Will Tear Us Apart" serve de banda sonora a este minuto e tal de antevisão do promissor filme.

Bang Bang

I was five and he was six
We rode on horses made of sticks
He wore black and I wore white
He would always win the fight

Bang bang, he shot me down
Bang bang, I hit the ground
Bang bang, that awful sound
Bang bang, my baby shot me down.

Seasons came and changed the time
When I grew up, I called him mine
He would always laugh and say
"Remember when we used to play?"

Bang bang, I shot you down
Bang bang, you hit the ground
Bang bang, that awful sound
Bang bang, I used to shoot you down.

Music played, and people sang
Just for me, the church bells rang.

Now he's gone, I don't know why
And till this day, sometimes I cry
He didn't even say goodbye
He didn't take the time to lie.

Bang bang, he shot me down
Bang bang, I hit the ground
Bang bang, that awful sound
Bang bang, my baby shot me down...

NANCY SINATRA para a banda sonora de KILL BILL de QUENTIN TARANTINO

Imagem: "ABCD" de RAOUL HAUSMANN

Casa das Artes de Vila Nova de Famalicão

A Casa das Artes de Vila Nova de Famalicão e o Cineclube de Joane vão levar a cabo um ciclo de cinema intitulado "Quintas de Cinema". As escolhas são mais que recomendáveis. Fica aqui a sugestão:

3 de Janeiro- MALA NOCHE (Mala Noche) de Gus Van Sant
9 de Janeiro- O SILENCIO (Silence) de Ingmar Bergman
10 de Janeiro- Cinenima
17 de Janeiro- AS CANÇÕES DE AMOR (Les Chansons d´Amour) de Christophe Honoré
31 de Janeiro- O ODOR DO SANGUE (L´odore del sangue) de Mario Martone

Body and Soul

Sweet Communion
Sweet Communion

I have waited all my life
You say you are bonafide
To be my judge
Lay your law down on me love
Seven devils bring them on
I have left my weapons
cause I think you're wrong
These devils of yours they need love...

Come and kneel with me
Body and Soul
Come and kneel with me
Body and Soul
Body and Soul
Body and Soul
Body and Soul

Sweet Communion
Sweet Communion

In my temple boy be warned
Violence doesn't have a home now but ecstasy
That's as pure as a woman's gold
Seven devils bring them on
I have left my weapons
'cause I think you're wrong
These devils of yours they need love

Come and kneel with me
Body and Soul
Come and kneel with me
Body and Soul
Body and Soul
Body and Soul
Body and Soul

I'll save you from that sunday sermon
Boy I think you need a conversion
Body and Soul

Come and kneel with me
Body and Soul
Come and kneel with me
Body and Soul
Body and Soul
Body and Soul
Body and Soul

TORI AMOS para o álbum "AMERICAN DOLL POSSE"
imagem: ROBERT MAPPLETHORPE

A Nova Lei-Sócrates

Não é meu costume manifestar-me acerca de política. Não que não tenha uma opinião, simplesmente gosto de a guardar para mim. As almas raras que já leram o meu blog sabem que em situação alguma o utilizei para me evidenciar politicamente. E, posto isto, quem ler vai achar, como eu, ridículo que a primeira vez que o faça seja por um motivo destes. Mas a verdade é que tenho mesmo que me manifestar acerca da nova lei da proibição de fumar nos locais públicos. Quanto a restaurantes, eu estou de acordo. As pessoas vão lá para comer, e não é lá muito agradável estar a comer a comida e o fumo dos outros. Mas os cafés são outra conversa. São locais onde se vai, acima de tudo, passar tempo, e não sao assim tão raras as pessoas que gostam de acompanhar o seu café com um cigarro.

Eu incluido. E portanto, após discordar de tantas medidas do executivo de Socrates, vou-me manifestar.

Primeiro: gosto de escrever no café, enquanto tomo cafés e fumo. Sim, pois, claro, sou um idiota.

Segundo: é insultuoso que um governo que se diz de Esquerda tome uma atitude tão pouco liberal. Nunca de discutiu a legalização das drogas leves. Tudo bem, pode ser só distração. Mas agora os locais onde se pode fumar passam, realmente, a ser tratados como salas de chuto, onde os dependentes vão matar o vício. A isto eu chamo mentes abertas.

Terceiro: há cafés que vão fechar. Na rua da minha escola há um café que tem clientes essencialmente nas horas dos intervalos. Quando há furos há um ou outro aluno que falta á aula de substituição (E faz ele muito bem.), e vai para o café. Mas bastam-me os dedos de uma mão para contar o número de vezes que vi alguém nesse café que não pertencesse ao corpo docente ou estudantil da escola. Este, se não permitir que se fume no interior, fecha de certeza.

Quarto: este é um problema menor. Sócrates está á frente de um país que lhe deu maioria absoluta, e que vive com sérias dificuldades, na sua maioria. Há pessoas sem casa, há pessoas sem condições, o desemprego aumenta, a cultura degrada-se, as pessoas no geral estão descontentes. E com que se preocupa o primeiro ministro? Com os fumadores que incomodam os não-fumadores no café. De facto, há que admitir: Sócrates tem bem-definidas as suas prioridades, e estão correctas, não haja dúvidas.

Portanto, o primeiro-ministro é um idiota, e eu, na minha insignificância, apelo ao voto em qualquer um dos candidatos de 2009, que não Sócrates. Pessoas como ele devem estar no café, de preferência um onde se fume muito, muito, muito...

Isabel Lhano- Estamos aqui

No outro dia, falei de "Concha Quadrada" de Isabel Lhano. Este é o seu trabalho anterior, levado a exposição em 2005, "O Elogio do Essencial/ Estamos Aqui", onde a pintora retrata algumas das pessoas que admira. Além do seu auto-retrato (o retrato vermelho isolado), há gente como José Luís Peixoto, Graça Martins (Irmã de Isabel Lhano, e, por acaso, minha professora), Valter Hugo Mae, Adolfo Luxúria Canibal, Nelson d´Aires, Ana Abrunhosa, etc, etc, etc.

Natália Correia: Madona

DUAS LUAS

"A Madona" é o título do segundo romance da tardo-surrealista Natália Correia, publicado 24 anos após o primeiro, "Anoiteceu no Bairro". Nestes 24 anos, Natália, dona de um génio ímpar, publicou ensaios, peças de teatro, e algumas das suas mais importantes obras em poesia, livros como "Dimensao Encontrada" (1957), "Cântico do País Emerso" (1961), assim como a sua "Antologia de Poesia Portuguesa Erótica e Satírica" (1965).

Fosse eu dono do mundo, e nao haveria uma única pessoa que morresse sem ter lido Natália Correia. E "A Madona", cuja leitura terminei há algumas semanas, vem reforçar esta minha certeza.

Esta é a história de Branca, e dos três homens da sua vida, Manuel, Miguel e "o Anjo", Lars Nielsen. E não é só no domínio barroco da linguagem, na densidade das imagens metafóricas/ surrealistas e na pessoalidade narrativa que a autora brilha, é, principalmente, na forma como nos conduz através da história, desmontando a cronologia e encadeando os momentos uns nos outros, sem que nada seja ao acaso, e sem que a linha narrativa principal seja desviada. Todos os outros momentos surgem quase paralelamente, tocando o momento presente num ponto quase imperceptivel.

E, o que seria dificil para muitos bons escritores, para Natália é naturalmente simples: como explorar a virgindade eterna e eternamente atacada de Branca, como explorar a sua espiritualidade, sem que essa exploração violasse essa mesma espiritualidade.

Mas também assuntos como a eterna dúvida de escrever, a influência da política, a homossexualidade, a morte, e a superficialidade religiosa são abordados em "A Madona", com particular perspicácia e exactidão.

"A Madona" é, por isso, um livro obrigatório, e torna-se-o ainda mais quando se trata apenas na segunda incursão da escritora no domínio do romance.

Veredicto: 20/20

Animal Collective: Strawberry Jam

MORANGOS, AÇÚCAR, ETC

Oitavo álbum do colectivo animal de Avey Tare, Panda Bear, Geologist e Deakin, "Strawberry Jam" é um grande álbum. Perdoem-me o início fanático, mas a verdade é que o novo álbum dos Animal Collective tem pouco que se lhe diga.

Quando "Peacebone" começa, é bom ver que o som continua a ser inconfundível. O que ouvimos aqui não é ouvido em mais banda nenhuma.

Fanatismos á parte, a música dos Animal Collective sempre foi uma verdadeira rebelião, uma tempestade de sons, eufórica e desmedida, mas sempre harmoniosa, coesa e coerente. E sempre foi essa improvável junção de elementos extremistas, de uma densidade contagiante e de uma complexidade barroca (Rococó, até.), que colocou os Animal Collective num pódio que só a eles pertencia. E pertence.

"Strawberry Jam" é um mais que digno sucessor de "Feels" de 2005. Mais que digno, porque se nota que é talvez o álbum mais solto e liberto de todos os álbuns da banda. Mas essa evolução é pacífica. É verdade que não é uma evolução colossal, cada álbum é, objectivamente, um baby step na discografia do quarteto, mas isso não é mau, porque ao compor, estes quatro senhores conseguem criar peças de facto originais, ou seja, ainda que a sonoridade evolua lentamente, os Animal Collective não se repetem, não escrevem sempre a mesma canção. Bandas como os Red Hot Chili Peppers ou os Arctic Monkeys não têm esta qualidade. Mantêm a mesma sonoridade, mas isso implica que escrevam sempre a mesma música.

De "Strawberry Jam" é muito difícil salientar algumas músicas que se destaquem mais. "Peacebone", "Fireworks" e "Unsolved Mysteries" parecem destacar-se pela sua esquematização imprevisível e perfeita. Mas isto pode aplicar-se também ás outras canções também, e é essa a dificuldade em ouvir este álbum. Não sabemos que canções destacar.

A performance dos músicos é irrepreensível, tem o condão de nos parecer que tocam ao acaso, mas em sintonia, o que só reforça a ideia de libertinagem sonora. Isso torna-se bastante evidente em "Chores".

As vocalizações são prodigiosas na medida em que acompanham na perfeição a instrumentalização, não se deixando, no entanto, guiar por ela, soando assim como um arranjo ao qual se dá protagonismo.

Resultado: este é um álbum a ouvir, sem dúvida. Toda a discografia dos Animal Collective teve sempre em vista uma coisa: qualidade. Outras também, talvez. Mas esta é louvável, sem dúvida. "Strawberry Jam" é mais um passo na discografia dos Animal Collective, talvez o passo de que gosto mais. Só por isso, já vale a pena.

Veredicto Final: 19/20

Animal Collective - Fireworks

Videoclip para "Fireworks". A música fala por si só. Vídeo engraçado.

Joss Stone: Introducing Joss Stone

Á TERCEIRA É DE VEZ?

"The Soul Sessions" e "Mind, Body And Soul" são, segundo a sua intérprete, uma espécie de exercícios preliminares, para aquilo que é agora "Introducing Joss Stone". Mas a verdade é que nisto tudo é dificil perceber quem está mais confuso: Joss ou nós? Na dúvida, talvez sejamos nós...

Se "The Soul Sessions" era a revelação de uma grande voz num reportório ambicioso mas não fora de alcance, "Mind, Body and Soul" demonstrava já uma personalidade própria, e uma pontaria muito certeira na escolha das canções: quer as escritas pela própria Joss Stone, quer por outros compositores, claramente escolhidos a dedo, entre os quais Beth Gibbons, dos Portishead, ou Betty Wright.

"Introducing..." não é um álbum imprevisível. Na verdade, parece ser um dos caminhos possíveis, abertos pelo segundo álbum. Sendo povoado de sabores heterogénios, "Mind Body and Soul" tinha o condão de mostrar uma flexível Joss, que poderia enveredar por vários caminhos. Ela escolheu este. Eu não posso dizer, pessoalmente, que me agrade, mas também não posso dizer que seja mau de todo.

Ao terceiro álbum, Joss é infectada com várias contaminações ligadas ao R&B, ao Sexy Hip Hop e, por vezes mesmo á pop.

Das 14 canções, 12 são da autoria de Joss, o que explica a sua ideia de se apresentar ao público, evidenciada, aliás, pelo título. As duas restantes, são a introdução e "Bruised But Not Broken", de Diane Warren (Autora ou co-autora de não tão más canções de Gloria Estefan, Sarah Connor, Christina Aguilera ou as Pussycat Dolls, por exemplo.), onde Joss consegue, subtilmente, fugir do tom lamechas que a canção parece ter. Ainda posto isto, "Bruised But Not Broken" não sobressai particularmente no contexto do álbum.

O contrário acontece com "Girl They Won´t Believe It", a segunda faixa, e uma das melhores, ainda com uma memória de soul, a juntar a uma beat decididamente boa.

"Tell Me Bout It", primeiro single, é uma das canções mais enérgicas, e a construção previsível não chega para tornar má a canção, que, na realidade, puxa pela voz de Stone. Acaba por resultar bem.

"Music", o dueto com Lauryn Hill também não corre mal, é uma das melhores canções, de facto. Harmoniosa e simplória, a fazer ainda lembrar a Joss da soul.

"Baby Baby Baby" também não é mau. Salta no caminho da pop pastilha-elástica, por vezes, mas a performance vocal de Stone acaba por resgatar a canção ao tédio.

"Introducing Joss Stone" não é, por isso, um mau álbum. É um álbum bastante arrojado até. Joss Stone contraria as expectativas que lhe têm, mas não se espalha. Esperemos que no próximo álbum não nos venha dizer que agora é que é. Como diz o povo, na sua sapiência, "á terceira é de vez..." esperamos nós.

Veredicto Final: 15/20

Joss Stone Tell Me Bout It

Single de avanço, com vídeo de estética assumidamente urbana...

The Editors: An End Has a Start

A PROVA DOS NOVE

Quando "Smokers Outside The Hospital Doors", a primeira faixa de "An End Has a Start", o novo album dos Editors, chega ao fim, já a sensação de divisão é inevitável. Há algo de trsite e algo de alegre, algo de conformado e algo de revolucionário na música dos Editors, em cada música. Talvez as letras de Tom Smith estejam contra a sonoridade isaltada das composições da banda, onde, mais ainda, se notam influencias como os Depeche Mode (Electrónica sob uma voz forte e beats bem demarcadas.) ou os Joy Division (Simplicidade que, no resultante, ganha uma complexidade quase barroca.); e, se assim é, fico feliz.

Temporalmente localizado algures nos primeiros anos da décade de oitenta, transportados para 2007, com tudo o que isso acarreta, nele, a construcção das canções ganha densidade em comparação ás de "The Back Room", especialmente nos arranjos, onde as guitarras eléctricas passam a viver com teclados que sintetizam sons very 80´s, e com o piano, tocado pelo próprio vocalista, evidenciando mais ainda o tal intimismo. O piano será precisamente essencial quando se trata do quase único instrumento acústico ouvido ao longo do álbum. A voz de Tom Smith está ligeiramente mais cavada, mas sem perder nada da sensualidade anestesiante que o caracterizava. A sua postura encontra na perfeição tanto a carga emotiva das letras, por si só bastante forte, como ainda é capaz de acompanhar muito bem as composições. É muito na voz que se prendem os Editors, e, por boa que ela seja, talvez não fosse má ideia equlibrá-la mais com o restante. Ainda que nem sempre assim seja, alguns momentos do álbum parecem feitos por e para Tom Smith. Win Butler comete o mesmo erro no "Neon Bible" dos Arcade Fire. Not such a good idea.

Quando ás canções, essas, são grandiosas, construídas com base no simples, que ao ser arranjado se torna complexo, mas sem exageros. Existe moderação nestas canções, em vez da necessidade de colocar muito. "Smokers Outside The Hospital Doors" e "An End Has a Start" fazem o início perfeito. "Weight Of The World" é uma boa canção, mas fica a perder de vista quando comparada com outras. Outras como "Escape The Nest", com a sua energia obsessiva, "Spiders" com o seu romantismo, ou o brilhante final, com "Well Worn World", onde Smith brilha não só a cantar como no piano.

O (Previsivelmente chamado.) "difícil segundo álbum" dos Editors não lhes saíu nada mal, bem pelo contrário, supera, até, o anterior. Esta é uma característica que parece ir contra a corrente. Ainda bem. Mais álbuns assim, é do que precisamos.

Veredicto: 18/20

The Editors- An End Has a Start

Videoclip para "An End Has a Start", realizado por Diane Martel, tirando partido de filtros de cor, alto-contraste, etc. Muito estético e muito enérgico, a fazer justiça á canção.

Joanna Newsom: Ys

O ESTRANHO MUNDO DE JOANNA

Quando "The Milk Eyed Mender", album primogénito de Joanna Newsom viu a luz do dia, viu com ela uma verdadeira chuva de críticas positivas, que incluiam umas imprevisíveis comparações com Bjork (vocalmente falando).

Ainda que "Ys" não soe a nada como "The Milk Eyed Mender", a verdade é que também não deita por terra a confiança que a crítica e o público da música indie lhe deu. De facto, a sonoridade solitária do primeiro álbum não é repetida no segundo.

Quando "Emily", a primeira faixa começa, percebe-se que, desta feita, Newsom veio acompanhada, não só pela sua harpa, como também por outros músicos. Neste caso, há uma orquestra, com excelentes arranjos de Van Dyck Parks, baixo e guitarra eléctrica, além dos backing vocals que tanto vêm da irmã de Joanna, Emily, como de Bill Callahan aka Smog, em "Emily" e "Only Skin" respectivamente.

As canções, essas, parecem por vezes remeter-nos a árias de ópera, não só pela sua construção, como também pelo aspecto mais imediato: a duração: a verdade é que em "Ys", a canção mais curta tem uns meros sete mintuos. Mas em relação ao esquema, este é uma espécie de deambulação, em que a voz segue a harpa, acima de tudo, ou não fosse ela a base de composição de Newsom. Heterogénias, as canções assumem personalidades, mas contam com uma fortíssima sensação de unidade.

"Emily" é a nostalgia, por exemplo, enquanto que "Sawdust And Diamonds" é mais positivista.

A voz continua a soar a algo muito estranho, e isto é um elogio. As composições remetem para uma espécie de universo paralelo, povoado de imagens surrealistas, que nos cantam estes agradáveis sons.

Há, felizmente, aquele não comodismo. Este é, não se faça confusão, uma álbum muito arriscado. Se "The Milk Eyed Mender" era um álbum já de si perigoso, passar dele para um outro poderia ser um passo em falso para Newsom e a sua harpa. Mas, na realidade, não há qualquer desilusão em "Ys". Pelo contrário. O crescimento musical é tão notório, que até parece ser uma outra cantora. Sim, sim, "Ys" é melhor do que o seu predecessor. E também mais invulgar. Já não é só a voz, já não é só o tipo de arranjos, já são as próprias canções. Nada em Joanna Newsom é convencional, para muitos, ela é esquisita, até mesmo inserida no universo indie. Mas isto não é nada mau. A verdade é também que não há ninguém como ela. E não há nenhum álbum como "Ys" também.

A pergunta, agora, é: o que vem a seguir?

Veredicto: 18/20

Joanna Newsom - Sawdust And Diamonds

"Sawdust And Diamonds" ao vivo. Tema do meio de "Ys". Muito bom

Lou Rhodes: Bloom

LOU VOLTA A ATACAR

"Beloved One", primeiro álbum a solo de Lou Rhodes, o renascer das cinzas depois da separação dos Lamb, terminava com "Why", a única canção composta ainda com os músicos da banda de Lou e Andy Barlow. Quando começamos a ouvir "The Rain", single de avanço e abertura de "Bloom", "Why" mostra-se, na verdade uma premonição daquela que viria a ser a sonoridade do segundo álbum.

"Bloom" não abandona de forma alguma, em momento algum, as raízes folk do seu antecessor, mas tem, face a estas mesmas raízes uma atitude diferente, mais expedita e afirmada. Permanece, indubitavelmente, a simplicidade no esquema das canções, mas a abordagem é menos acústica. Logo na primeira faixa, a guitarra eléctrica pontua. É uma fusão do lado folk, provavelmente primeiro sabor da composição, com rock, numa dimensão mais ligada aos arranjos.

Mas não só de sons eléctricos é feita a evolução retratada em "Bloom". "Greatness In Speck Of Doubt" junta-lhe sons mais tribais, mais dançantes também. Tal como "The Rain", "Greatness In Speck Of Doubt" é uma excelente canção.

"Icarus" parece ser uma incursão pelo stroytelling a lembrar, a nível da letra, algumas das grandes canções de "Beloved One". A composição e o esquema são simples, claro, e a canção ganha notoriedade com a ginástica vocal que Lou faz, discretamente.

"Never Loved a Man Like You" é exemplar de uma canção intimista e lânguida, uma declaração rasgada de um amor luxurioso, daqueles que toda a gente quer sentir. "All We Are" é uma das mais belas canções que Rhodes já fez. Melodiosa, suave, emotiva... é muito difícil falar dela... mas é de facto um dos picos mais altos do álbum.

"Chase All My Winters Away" é um belíssimo poema cantado sobre uma belíssima melodia, escrita por Rhodes e pelos músicos da banda, também "This Love" é uma canção a registar.

No entanto, "They Say" parece ser a melhor das canções de "Bloom". O seu esquema é simples, mas foge ás predictabilidades do costume, sendo, por isso, logo uma boa canção. Mas é também o crescimento sonoro que a canção nos faz atravessar, o facto de começar tão simples, quase um solo e ir crescendo gradualmente, tornando-se cada vez mais negra e pesada, até se tornar um grito desesperante, adornado por uma instrumentação perfeita.

"Sister Moon" vem compensar com uma boa onda de positivismo, que é logo a seguir largada com "Bloom" o apoteótico final, que nos deixa uma grande vontade de começar tudo de novo. "Bloom" é uma canção triste, noctívaga, em que se fala de solidão, de saudade. Lou canta com uma guitarra acústica e um glockenspiel e guiá-la, pela escuridão nocturna que a composição encerra.

Este é o álbum de Lou Rhodes que nos demonstra que ela está mesmo decidida a ser Lou Rhodes, e não a ex-vocalista dos Lamb. E este é um álbum dessa Lou Rhodes, mudada, crescida. Na verdade, esta é a coisa boa em Lou Rhodes: a inteligência e adequação, que nos surpreendem sempre. Chega a 2007 com um punhado de canções belíssimas e de qualidade, coesas e interessantes. "Bloom" é, por isso, um dos melhores álbuns do ano.

Veredicto Final: 19/20

Lou Rhodes- The Rain

Single de avanço de "Bloom", "The Rain", exemplar da evolução de Lou Rhodes enquanto cantora e enquanto compositora.

Isabel Lhano: A Concha Quadrada

É sob o título "A Concha Quadrada" que Isabel Lhano, artista nascida em Vila do Conde, expõe uma série de pinturas a acrílico sobre tela, carregadas de um fortíssimo realismo (Quase hiper-realismo.).

"Sinto-te a Boca"

São encontros entre Vénus e Marte, ou Marte e Marte que Isabel Lhano retrata aqui. Imagens eróticas, por vezes homoeróticas, momentos da mais inviolável intimidade, invios de representação (Aparentemente.).

Claramente há sexo e sensualidade em cada uma destas imagens, mas nessa representação violadora da privacidade das fusões destas pessoas num só corpo repartido, não há qualquer violação da privacidade. Raramente vemos as caras, e as cores surgem adulteradas, como se um filtro de cor nos impedisse de chegar á realidade da pele destas pessoas.

"Sentidos Absolutos"

Mas, se é verdade que não ficamos a conhecer as caras a quem pertencem estas mãos, estes mamilos, estas pernas, estes braços, a verdade é que ficamos a conhecer algo de muito mais interessante, e de muito mais belo: a forma como se tocam, as suas maneiras de seduzir, a intimidade que têm... quem é seguro de si, quem precisa de ser protegido, quem tem necessidade de se fundir com o outro para se sentir completo, quem domina quem... é a estas perguntas que Isabel Lhano tão brilhantemente responde com as pinturas de "Concha Quadrada".

O próprio espectador sente-se a mais ao olhar estas telas. Á nossa frente, pessoas tocam-se, pessoas pedem ao outro que lhes entre no corpo, e que lhes entre na alma. E nós assistimos. Talvez reconheçamos os nossos próprios gestos, a nossa própria forma de pedir ao outro que se torne parte do nosso corpo, parte da nossa alma.

"Pousa-me"

E o facto de não vermos as caras, só nos leva ainda mais a ser capazes de encontrar-nos a nós mesmos a segurar o outro assim, a puxar ou empurrar o outro assim, a desejá-lo assim, a saciarmos o nosso desejo assim. E é aí que se torna tão irrevogável, e mesmo comovente, a colecção "Concha Quadrada". Foi nesta concha que já todos nos fechámos, e é nela que nos queremos fechar tantas vezes, fechar a nossa concha em torno da concha do outro, e não largar. Porque pode ser esse o assunto desta exposição: a nossa intimidade com o outro.

"Segura-me o Coração"

A série completa está no site da Galeria de São Mamede, na página http://www.saomamede.com/fr_exposicoes.asp?idexp=258. A não perder.

Gus Van Sant: Paranoid Park

PARANÓIA NÃO-ADOLESCENTE

Quando, a certa altura, o melhor amigo do protagonista do novo filme de Gus Van Sant diz

"_No one´s ever ready for Paranoid Park."

ficamos logo com a certeza muito absoluta de que nada de bom poderá acontecer em tal lugar.

Chama-se "Paranoid Park" o terceiro capítulo da trilogia sobre a adolescência que Gus Van Sant inicia com "Gerry" onde dois Gerries se encontram perdidos no deserto, prossegue em "Elephant" onde nos faz atravessar a sua interpretação do Massacre de Columbine, e, após uma interrupção para distorcer os "Last Days" de Kurt Cobain, Van Sant volta á adolescência com "Paranoid Park".

A premissa é simples: Alex é um skater ou aspirante a skater, que aceita, ainda que contrariado, o convite do melhor amigo, para irem a Paranoid Park, um skate park onde praticam skaters obviamente melhores que Alex. É lá que Alex aceita a proposta de um desses skaters para irem passear, trepando a um comboio de mercadorias. O guarda nocturno que os tenta fazer descer desse mesmo comboio acaba por ser atingido por Alex com o seu skate, cai á linha do combio e morre.

Ora, o que em "Elephant" não era vulgar, ainda não o é agora: Van Sant, autor do argumento, desmonta a ordem cronológica dos acontecimentos, mistura os tempos, e logo, confunde os factos. Vai mais longe, por vezes, misturando imagens de uma forma tão perspicaz que é quase possível acreditar que aquelas imagens pertencem áquele tempo. Só mais tarde é provado que não.

Outro aspecto digno de referência é o facto de todo o filme se desenrolar essencialmente dentro da cabeça do seu protagonista. Isto não é pejorativo. De facto, ao longo dos noventa minutos de "Paranoid Park" temos a sensação de estar a avaliar toda a realidade pelos olhos de Alex. Assim sendo, não sentimos que ele tenha culpa, porque o próprio também não sente culpa. O que, por si só, constitui outro ponto alto de todo o filme: um pouco como acontecia em "Elephant", Gus Van Sant conduz-nos pela história, mas subjuga-nos á mente do protagonista. E, ao longo de filme, Alex tenta pensar em como negar a realidade, e, assim, fugir dela. E o espectador é levado atrás. Não há culpa em parte alguma deste filme. E, se tal facto pode parecer arriscado, a verdade é que a interpretação de Gabe Nevins está a altura, outra coisa, aliás, não seria possível, sendo que, na realidade é um protagonita filmado até á exaustão, presente em todas as cenas, portanto, nunca seria possível um filme assim com um mau actor.

A estética é também digna de destaque. Não só na escolha dos planos, belíssimos, de resto, seguindo Alex de forma calustrofóbica, outras vezes mais relaxante, parecendo, no fundo, uma forma de nos mostrar como Alex se vê a si mesmo e ao que o rodeia; mas também na escolha feita com os actores, mesmo figurantes. É uma estética incomum, que prima pelo inusual, ou seja, o oposto da cada vez mais em vigor estética Morangos Com Açúcar onde beleza é igual a bondade e qualidade. Neste filme, é precisamente a personagem com uma beleza mais canonizada que é espezinhada, é difícil dizer se o protagonista é bonito ou feio, o corpo dele aparece poucas vezes despido, e, quando aparece, revela-se um corpo perfeitamente normal, sem as previsíveis semanas de trabalho árduo num ginásio que normalmente é exigido a quem passa uns minutos em tronco nu em frente á câmara.

Por outras palavras: Van Sant sabe como fazer um filme de adolescentes que não é um filme de adolescentes. E isso não é só na estética, é também na recusa dos clichés que normalmente se justificam com um despudorado clamar de realismo: não há aqui sexo excitante, pelo contrário, não há aqui lirismo ou desespero face ao azar, não há aqui uma moral, ninguém aprende lições de vida, ninguém conhece uma namorada para a vida toda, não há uma perseguidora que não olha a meios para atingir os fins, enfim, há algo de muito adulto e racional na pessoa de Alex, que é invulgar recaír sobre um adolescente. E a culpa não tem nada que ver com isto. Porque este é um filme/psiquiatria: o que se vê é o que está dentro da cabeça desta pessoa, e portanto, ela não tem que se esforçar por se fingir arrependida, por parecer muito humana, muito correcta, muito moralista. Só tem que se recostar e deixar-nos ver, literalmente, o que lhe vai na alma. O resto é o genérico.

Veredicto: 19/20

Paranoid Park (Trailer)

Apresentação do derradeiro capítulo da trilogia de Gus Van Sant sobre a adolescência.

A Perfect Circle: Thirteenth Step

O NÚMERO DA SORTE

Chama-se "Thirteenth Step", o último álbum de orginais dos A Perfect Circle, e merece referência porque comprova a minha teoria de que o número 13 é o número da sorte, contrariamente ao que afirmam os supersticiosos.

Traço de evolução considerável desde "Mer de Noms", a estreia da banda, em 2000, "Thirteenth Step" foi lançado em 2003, e, sem dificuldade, consegue ultrapassar os já clássicos da banda, como o famigerado "Judith", uma vez que parecem ter sido postas de parte ideias como a de que é necessário berrar para fazer rock do duro. "Weak and Powerless" é, sem dúvida o melhor exemplo. E com um vídeo a fugir para o surrealismo a acompanhar. Ouro sobre azul.

Abre com uma brilhante e imprevisível procura de luz, "The Package", um esforço que parece deitado por terra pelo sombrio "Weak And Powerless", uma das melhores faixas de "Thirteenth Step", primeiro single, e, certamente, uma canção rara sem pretensiosismos, construída a partir de uma simploria guitarra eléctrica, de uma bateria bem arranjada e a voz a conduzir de uma forma incerta a canção.

Outros pontos de referência: "The Outsider", feito de uma estética complexa mas equilibrada, e de um forte sentido teatral.

"The Noose" também não corre mal. Ensombrada por uma composição feita de adornos e barroquismos, a letra dersenvolve-se até que, ao contrário do que se espera, termina sem uma conclusão. Muito bom.

Todas as outras faixas, sem se destacarem particularmente, não conseguem ser más canções, bem pelo contrário, a maior parte revela-se, realmente, melhor do que as de "Mer de Noms", o que mostra que o esforço vale a pena, e que, por vezes, a contenção não é antítiese do rock.

Veredicto: 17/20

A Perfect Circle - Weak and Powerless

Video de "Weak and Powerless", avanço de "Thirteenth Step". Estética simbolista/ surrealista. Muito bom.

Joni Mitchell: Shine

O MILAGRE DA CRIAÇÃO

Não será fácil para alguém que carrega consigo não só o estatuto de uma das melhores compositoras vivas como também a composição de coisas tão belas como “Woodstock”, “Same Situation”, “Down To You”, “A Case Of You”, “Dreamland” ou “Both Sides Now” fazer uma longa, longa pausa e depois regressar de repente. A canadiana Joni Mitchell, no entanto, teve arrojo para isso.
“Shine” é o título do seu novo álbum, publicado cinco anos depois do anúncio de uma possível retirada, graças a uma mudança de discográfica.

E não é um mau álbum. A voz de Mitchell, claro, sofreu as naturais alterações. Já não é a voz de “Woodstock”, mas todos os seus maneirismos, continuam aí, e, com mudanças de voz ou sem elas, Mitchell continua a reconhecer-se facilmente. As composições simples e bem esquematizadas que sempre a caracterizaram consolidam-se aqui com arranjos de influencia do jazz, criando com a tonalidade sorumbática de Joni uma sonoridade nostálgica e intimista, situado fenomenalmente no tempo entre o final dos anos 70 e o início dos anos 80. Refrescante.
A introdução é instrumental, com “One Week Last Summer” onde fica explicado muito daquilo que se vai ouvir. Tema com protagonismo para o piano e o saxofone, muito bem ritmado.
Das restantes canções, há várias a destacar:
“Hana”, baseado num filme dos anos 30, pela sua estruturação e ritmo, onde a voz de Joni Mitchell guia os instrumentos, criando uma enorme densidade á volta das palavras.
A nova versão de “Big Yellow Táxi”, uma canção da activista ambiental Mitchell, que não soa nada mal, bem pelo contrário, iguala sem dificuldades a versão original, compensada com um delicioso acordeão, a colar perfeitamente na voz.
“Bad Dreams”, a letra provavelmente mais didáctica de todo o álbum, excelente composição para piano, no seu todo um momento de genuína inspiração, quase a remeter-nos para o sentimento de distanciamento e saudade patente no álbum “Blue” de 1971.
Falando de inspiração, “Night Of The Iguana”, com fantásticos solos de guitarra eléctrica, a dar uma textura rock quase pouco explícita numa deliciosa composição folk.
“If”, inspirado em Rudyard Kypling, termina o álbum, e muito bem. Composição para piano, adornada por uma bateria simples e o habitual saxofone, um final a lembrar os tempos em que a pop era boa.

A capa do álbum é péssima. Com uma fotografia do bailado inspirado na sua música, e com um chocante traço de censura que não ajuda a melhorar a imagem da capa, bem pelo contrário.
Quanto a música, em específico, Mitchell pode não estar no pico da sua criatividade, mas a verdade é que fez um álbum repleto de um evidente amadurecimento pessoal e musical, e constituído com boas canções. Mais assim, é o que se quer. Isso, e um concerto ao vivo cá em Portugal, de preferência que inclua “Woodstock” no seu alinhamento.

Veredicto: 17/20