Lou Rhodes- The Rain

Single de avanço de "Bloom", "The Rain", exemplar da evolução de Lou Rhodes enquanto cantora e enquanto compositora.

Isabel Lhano: A Concha Quadrada

É sob o título "A Concha Quadrada" que Isabel Lhano, artista nascida em Vila do Conde, expõe uma série de pinturas a acrílico sobre tela, carregadas de um fortíssimo realismo (Quase hiper-realismo.).

"Sinto-te a Boca"

São encontros entre Vénus e Marte, ou Marte e Marte que Isabel Lhano retrata aqui. Imagens eróticas, por vezes homoeróticas, momentos da mais inviolável intimidade, invios de representação (Aparentemente.).

Claramente há sexo e sensualidade em cada uma destas imagens, mas nessa representação violadora da privacidade das fusões destas pessoas num só corpo repartido, não há qualquer violação da privacidade. Raramente vemos as caras, e as cores surgem adulteradas, como se um filtro de cor nos impedisse de chegar á realidade da pele destas pessoas.

"Sentidos Absolutos"

Mas, se é verdade que não ficamos a conhecer as caras a quem pertencem estas mãos, estes mamilos, estas pernas, estes braços, a verdade é que ficamos a conhecer algo de muito mais interessante, e de muito mais belo: a forma como se tocam, as suas maneiras de seduzir, a intimidade que têm... quem é seguro de si, quem precisa de ser protegido, quem tem necessidade de se fundir com o outro para se sentir completo, quem domina quem... é a estas perguntas que Isabel Lhano tão brilhantemente responde com as pinturas de "Concha Quadrada".

O próprio espectador sente-se a mais ao olhar estas telas. Á nossa frente, pessoas tocam-se, pessoas pedem ao outro que lhes entre no corpo, e que lhes entre na alma. E nós assistimos. Talvez reconheçamos os nossos próprios gestos, a nossa própria forma de pedir ao outro que se torne parte do nosso corpo, parte da nossa alma.

"Pousa-me"

E o facto de não vermos as caras, só nos leva ainda mais a ser capazes de encontrar-nos a nós mesmos a segurar o outro assim, a puxar ou empurrar o outro assim, a desejá-lo assim, a saciarmos o nosso desejo assim. E é aí que se torna tão irrevogável, e mesmo comovente, a colecção "Concha Quadrada". Foi nesta concha que já todos nos fechámos, e é nela que nos queremos fechar tantas vezes, fechar a nossa concha em torno da concha do outro, e não largar. Porque pode ser esse o assunto desta exposição: a nossa intimidade com o outro.

"Segura-me o Coração"

A série completa está no site da Galeria de São Mamede, na página http://www.saomamede.com/fr_exposicoes.asp?idexp=258. A não perder.

Gus Van Sant: Paranoid Park

PARANÓIA NÃO-ADOLESCENTE

Quando, a certa altura, o melhor amigo do protagonista do novo filme de Gus Van Sant diz

"_No one´s ever ready for Paranoid Park."

ficamos logo com a certeza muito absoluta de que nada de bom poderá acontecer em tal lugar.

Chama-se "Paranoid Park" o terceiro capítulo da trilogia sobre a adolescência que Gus Van Sant inicia com "Gerry" onde dois Gerries se encontram perdidos no deserto, prossegue em "Elephant" onde nos faz atravessar a sua interpretação do Massacre de Columbine, e, após uma interrupção para distorcer os "Last Days" de Kurt Cobain, Van Sant volta á adolescência com "Paranoid Park".

A premissa é simples: Alex é um skater ou aspirante a skater, que aceita, ainda que contrariado, o convite do melhor amigo, para irem a Paranoid Park, um skate park onde praticam skaters obviamente melhores que Alex. É lá que Alex aceita a proposta de um desses skaters para irem passear, trepando a um comboio de mercadorias. O guarda nocturno que os tenta fazer descer desse mesmo comboio acaba por ser atingido por Alex com o seu skate, cai á linha do combio e morre.

Ora, o que em "Elephant" não era vulgar, ainda não o é agora: Van Sant, autor do argumento, desmonta a ordem cronológica dos acontecimentos, mistura os tempos, e logo, confunde os factos. Vai mais longe, por vezes, misturando imagens de uma forma tão perspicaz que é quase possível acreditar que aquelas imagens pertencem áquele tempo. Só mais tarde é provado que não.

Outro aspecto digno de referência é o facto de todo o filme se desenrolar essencialmente dentro da cabeça do seu protagonista. Isto não é pejorativo. De facto, ao longo dos noventa minutos de "Paranoid Park" temos a sensação de estar a avaliar toda a realidade pelos olhos de Alex. Assim sendo, não sentimos que ele tenha culpa, porque o próprio também não sente culpa. O que, por si só, constitui outro ponto alto de todo o filme: um pouco como acontecia em "Elephant", Gus Van Sant conduz-nos pela história, mas subjuga-nos á mente do protagonista. E, ao longo de filme, Alex tenta pensar em como negar a realidade, e, assim, fugir dela. E o espectador é levado atrás. Não há culpa em parte alguma deste filme. E, se tal facto pode parecer arriscado, a verdade é que a interpretação de Gabe Nevins está a altura, outra coisa, aliás, não seria possível, sendo que, na realidade é um protagonita filmado até á exaustão, presente em todas as cenas, portanto, nunca seria possível um filme assim com um mau actor.

A estética é também digna de destaque. Não só na escolha dos planos, belíssimos, de resto, seguindo Alex de forma calustrofóbica, outras vezes mais relaxante, parecendo, no fundo, uma forma de nos mostrar como Alex se vê a si mesmo e ao que o rodeia; mas também na escolha feita com os actores, mesmo figurantes. É uma estética incomum, que prima pelo inusual, ou seja, o oposto da cada vez mais em vigor estética Morangos Com Açúcar onde beleza é igual a bondade e qualidade. Neste filme, é precisamente a personagem com uma beleza mais canonizada que é espezinhada, é difícil dizer se o protagonista é bonito ou feio, o corpo dele aparece poucas vezes despido, e, quando aparece, revela-se um corpo perfeitamente normal, sem as previsíveis semanas de trabalho árduo num ginásio que normalmente é exigido a quem passa uns minutos em tronco nu em frente á câmara.

Por outras palavras: Van Sant sabe como fazer um filme de adolescentes que não é um filme de adolescentes. E isso não é só na estética, é também na recusa dos clichés que normalmente se justificam com um despudorado clamar de realismo: não há aqui sexo excitante, pelo contrário, não há aqui lirismo ou desespero face ao azar, não há aqui uma moral, ninguém aprende lições de vida, ninguém conhece uma namorada para a vida toda, não há uma perseguidora que não olha a meios para atingir os fins, enfim, há algo de muito adulto e racional na pessoa de Alex, que é invulgar recaír sobre um adolescente. E a culpa não tem nada que ver com isto. Porque este é um filme/psiquiatria: o que se vê é o que está dentro da cabeça desta pessoa, e portanto, ela não tem que se esforçar por se fingir arrependida, por parecer muito humana, muito correcta, muito moralista. Só tem que se recostar e deixar-nos ver, literalmente, o que lhe vai na alma. O resto é o genérico.

Veredicto: 19/20

Paranoid Park (Trailer)

Apresentação do derradeiro capítulo da trilogia de Gus Van Sant sobre a adolescência.

A Perfect Circle: Thirteenth Step

O NÚMERO DA SORTE

Chama-se "Thirteenth Step", o último álbum de orginais dos A Perfect Circle, e merece referência porque comprova a minha teoria de que o número 13 é o número da sorte, contrariamente ao que afirmam os supersticiosos.

Traço de evolução considerável desde "Mer de Noms", a estreia da banda, em 2000, "Thirteenth Step" foi lançado em 2003, e, sem dificuldade, consegue ultrapassar os já clássicos da banda, como o famigerado "Judith", uma vez que parecem ter sido postas de parte ideias como a de que é necessário berrar para fazer rock do duro. "Weak and Powerless" é, sem dúvida o melhor exemplo. E com um vídeo a fugir para o surrealismo a acompanhar. Ouro sobre azul.

Abre com uma brilhante e imprevisível procura de luz, "The Package", um esforço que parece deitado por terra pelo sombrio "Weak And Powerless", uma das melhores faixas de "Thirteenth Step", primeiro single, e, certamente, uma canção rara sem pretensiosismos, construída a partir de uma simploria guitarra eléctrica, de uma bateria bem arranjada e a voz a conduzir de uma forma incerta a canção.

Outros pontos de referência: "The Outsider", feito de uma estética complexa mas equilibrada, e de um forte sentido teatral.

"The Noose" também não corre mal. Ensombrada por uma composição feita de adornos e barroquismos, a letra dersenvolve-se até que, ao contrário do que se espera, termina sem uma conclusão. Muito bom.

Todas as outras faixas, sem se destacarem particularmente, não conseguem ser más canções, bem pelo contrário, a maior parte revela-se, realmente, melhor do que as de "Mer de Noms", o que mostra que o esforço vale a pena, e que, por vezes, a contenção não é antítiese do rock.

Veredicto: 17/20

A Perfect Circle - Weak and Powerless

Video de "Weak and Powerless", avanço de "Thirteenth Step". Estética simbolista/ surrealista. Muito bom.

Joni Mitchell: Shine

O MILAGRE DA CRIAÇÃO

Não será fácil para alguém que carrega consigo não só o estatuto de uma das melhores compositoras vivas como também a composição de coisas tão belas como “Woodstock”, “Same Situation”, “Down To You”, “A Case Of You”, “Dreamland” ou “Both Sides Now” fazer uma longa, longa pausa e depois regressar de repente. A canadiana Joni Mitchell, no entanto, teve arrojo para isso.
“Shine” é o título do seu novo álbum, publicado cinco anos depois do anúncio de uma possível retirada, graças a uma mudança de discográfica.

E não é um mau álbum. A voz de Mitchell, claro, sofreu as naturais alterações. Já não é a voz de “Woodstock”, mas todos os seus maneirismos, continuam aí, e, com mudanças de voz ou sem elas, Mitchell continua a reconhecer-se facilmente. As composições simples e bem esquematizadas que sempre a caracterizaram consolidam-se aqui com arranjos de influencia do jazz, criando com a tonalidade sorumbática de Joni uma sonoridade nostálgica e intimista, situado fenomenalmente no tempo entre o final dos anos 70 e o início dos anos 80. Refrescante.
A introdução é instrumental, com “One Week Last Summer” onde fica explicado muito daquilo que se vai ouvir. Tema com protagonismo para o piano e o saxofone, muito bem ritmado.
Das restantes canções, há várias a destacar:
“Hana”, baseado num filme dos anos 30, pela sua estruturação e ritmo, onde a voz de Joni Mitchell guia os instrumentos, criando uma enorme densidade á volta das palavras.
A nova versão de “Big Yellow Táxi”, uma canção da activista ambiental Mitchell, que não soa nada mal, bem pelo contrário, iguala sem dificuldades a versão original, compensada com um delicioso acordeão, a colar perfeitamente na voz.
“Bad Dreams”, a letra provavelmente mais didáctica de todo o álbum, excelente composição para piano, no seu todo um momento de genuína inspiração, quase a remeter-nos para o sentimento de distanciamento e saudade patente no álbum “Blue” de 1971.
Falando de inspiração, “Night Of The Iguana”, com fantásticos solos de guitarra eléctrica, a dar uma textura rock quase pouco explícita numa deliciosa composição folk.
“If”, inspirado em Rudyard Kypling, termina o álbum, e muito bem. Composição para piano, adornada por uma bateria simples e o habitual saxofone, um final a lembrar os tempos em que a pop era boa.

A capa do álbum é péssima. Com uma fotografia do bailado inspirado na sua música, e com um chocante traço de censura que não ajuda a melhorar a imagem da capa, bem pelo contrário.
Quanto a música, em específico, Mitchell pode não estar no pico da sua criatividade, mas a verdade é que fez um álbum repleto de um evidente amadurecimento pessoal e musical, e constituído com boas canções. Mais assim, é o que se quer. Isso, e um concerto ao vivo cá em Portugal, de preferência que inclua “Woodstock” no seu alinhamento.

Veredicto: 17/20

Sophie Barker: Earthbound

A MULHER QUE VIVEU DUAS VEZES

Quando vemos o nome de Sophie Barker nos créditos dos primeiros dois álbuns dos Zero7 ou nas “Quiet Letters” dos Bliss, e quando vemos o seu nome na capa de “Earthbound” não é difícil acreditar que são uma e a mesma pessoa. Mas se a ouvirmos em Zero7, em Grooverider, em Groove Amanda, ou em Bliss e se a ouvirmos naquele que é o seu primeiro álbum a solo, é quase sobrenatural pensar tal coisa.

Se também Sia Furler demonstra um outro lado seu nos seus álbuns a solo, a verdade é que “Earthbound” não é só um outro lado de Sophie Barker, é uma Sophie Barker com pouco em comum com a que interpreta as canções das outras bandas. Porque se Sia mantém os seus traços próprios ao apresentar-se sozinha, Sophie renega tudo o que faz acompanhada e entrega-se inteira a simples e acústicas ou semiacústicas composições Folk, despidas de qualquer artifício, e, estranhamente, também de toda a electrónica. O único instrumento não acústico que é ouvido neste álbum é a guitarra eléctrica que surge por vezes, e uma electrónica discreta em “Angel”. As canções não são gravação recente. Esta é uma colectânea de canções que Sophie tem escrito e gravado desde há alguns anos, algumas delas em parceria com Robin Guthrie, dos Cocteau Twins. Talvez isso tenha ajudado a que este seja um álbum curto. De oito canções é feito, mas que valem por muitas.
Apesar da referida dispersão cronológica, “Earthbound” é um álbum focado. Feito de uma imagética ora rústica, ora nocturna, começa com o excelente “Secret”, que, se não for a melhor canção destas oito, será uma das melhores, certamente. Segue pelo excelente “Stop Me”, onde a guitarra eléctrica pontua em sintonia com a voz de uma independentista Sophie que nos canta “Finally I´m alone.” Segue-se “Dreamlife”, delírio acústico, e “Wintertime”, possivelmente o tema mais irrelevante de “Earthbound”. “On My Way Home” é a letra que mais segue a estética do storytelling, inserida numa música que sem ser má, é facilmente ultrapassável, neste contexto.

“Start Me” é o mesmo passo quase em falso de “Wintertime”, não seduz particularmente. Mormente quando é seguida de algo tão brilhante como “Angel”, a canção da electrónica muito subtil, que, com muito boa vontade, nos remete um pouco para os Zero7, ou talvez mais até para os Bliss. A terminar “Strumble” é o tema que se desvia da matriz dos anteriores, soando quase a um country-rock, mais do que a folk, sem deixar de ser uma boa composição, simplória, num esquema canonizado que, com a mestria com que nos é apresentado, se torna agradável, e não banal.
Entretanto, Sophie iniciou uma colecção de álbuns de música para crianças e elas que me perdoem, mas esses álbuns não me interessam, porque provavelmente não gostarei deles. É por álbuns como “Earthbound” que nos devemos lembrar de Sophie Barker, que, de repente, nos mostra que merece ser vista como algo que mais que “aquela que cantava com os Zero7”.

Veredicto: 17/20

Marilyn Manson: Eat Me, Drink Me

A MORTE DO ARTISTA

Brian Hugh Warner, aka Marilyn Manson pode fazer o que quiser, porque já tem algo que ninguém lhe tira: um estatuto. E, podendo tão seco início parecer pejorativo, não o é, porque este estatuto não foi conquistado á custa de pouco esforço. Bem pelo contrário. O estatuto de Manson deve-se, além da sua peculiaridade como performer, a grandes canções que já compôs, pérolas irrepetíveis como “The Nobodies” (Reacção ao sangrento Massacre de Columbine.), “Coma White” (A cançãoimprovável.), “Better Of Two Evils” (Como não referir?), “Lamb Of God” (Uma reflexão sobre a exploração televisiva da miséria e da morte.)
No entanto, Manson não está, nem seria normal que pudesse estar, isento de produzir más canções, e de receber más críticas por elas: o Passado não é mais do que o Passado, e vale o que vale, mas não deve, de forma alguma, influenciar a visão do Presente.
No passado, os álbuns de Marilyn Manson eram perfeitos ou quase perfeitos. Evoluíam lentamente, até chegar ao apogeu, com “Holy Wood (In The Shadow Of Th Valley Of Death)”, narração da viagem de Coma Black que guia o seu povo pelo Vale dos Mortos, e ao mesmo tempo, uma reflexão sobre a sociedade e a mediatização desta, partindo precisamente do Massacre de Columbine, que tem também o seu peso nas letras do álbum, não tivesse sido Manson ridiculamente responsabilizado pelo sucedido.
Mas o presente, esse é outra coisa. Depois de um não muito mau “Golden Age Of Grotesque”, é a vez de “Eat Me, Drink Me” vir deixar um nó na garganta de quem segue o percurso de Manson. Sim, a música é isso mesmo, música, mas ignorante seria dizer que a música de Marilyn Manson é só música. O sentido teatral, e a densidade narrativa sempre foram tão importantes como a música propriamente dita. E em “Eat Me, Drink Me”, não só praticamente se extingue a teatralidade, como também vemos pouco agradáveis mudanças na música.

Em relação á teatralidade, a maneira de cantar é a habitual, mas houve algo da agressividade que se perdeu. Há uma forma mais controlada de cantar, agora.
A nível de música, não se pode dizer que ela é má, apenas insatisfatória vinda de quem vem. Canções como “The Red Carpet Grave”, por exemplo, seria uma excelente canção noutra banda qualquer. Mas, em Manson, soa a muito pouco.
É esta a história de “Eat Me, Drink Me”. Canções que, não sendo más, não nos satisfazem, porque nos mostram um Manson cantor, que já não tem nada ou quase nada de artista.
E não é fiável, nem sequer muito correcto, atribuir esta mudança a uma suposta crise de meia-idade. É uma palermice. Basta que se repare que a composição de todas as faixas do álbum são compostas a meias por Marilyn Manson e Tim Skold. As composições de Ramirez e John 5 desaparecem, assim como as suas interpretações.

Skold surge pela primeira vez no universo da música de Manson em “Golden Age Of Grotesque”, onde já se nota um desvio na rota, mais distante do Alternative Metal, sem sair dele, e a caminhar por vezes um pouco no caminho de um Rock pesado. Agora percebe-se que é, de facto, Skold o responsável por este desvio. Este é um álbum de longe mais leve e fácil de ouvir do que os anteriores. Não é exigente para quem o ouve.
O arranque é feito com aquele que é um dos melhores temas do álbum, “If I Was Your Vampire”. Depois, vai enveredando pelo referido caminho do rock pesado, com (Bons.) solos de guitarra eléctrica e teclados a soar nos lugares certos. “Just A Car Crash Away” relembra “Godeatgod”, mas numa versão definitivamente mais light. “Heat Shaped Glasses” é provavelmente a mais assumida canção pop de toda a discografia de Marilyn Manson, uma boa composição, bem esquematizada, que, no entanto, não resulta numa canção especialmente boa.
A direcção de arte, apesar da capa deploravelmente má, é boa, com uma boa montagem das imagens, e fazendo uso da caligrafia de Manson. Nada que se compare a “Golden Age Of Grotesque”, mas bom.

Veredicto: 14/20

Marilyn Manson - Heart Shaped Glasses

A versão original do polémico video de apresentação de "Heart-Shaped Glasses", single de avanço de "Eat Me, Drink Me".

Klaxons Golden Skans

Videoclip realizado por Saam Faramand. Bom video sobre boa música... passa

Klaxons: Myths Of The Near Future

ELECTRO-QUALQUER-COISA

Há uma indecisão quando se tenta classificar a música dos Klaxons. Indie Pop/ Indie Rock/ Electropop/ Urban/ Electrofolk. Esta indecisão levou á criação de um suposto novo estilo, o New Rave. E esta definição não era assim tão necessária. A definição de Electropop/ Electrorock serve perfeitamente, pelo menos por enquanto. E "por enquanto" porque há algo de proeminente na música dos Klaxons, algo que se esforça por se soltar, mas, lamentavelmente, ainda não o conseguiu. Não quer isto dizer, obviamente que " Myths Of a Near Future" seja um mau álbum, que não é. Essencialmente eléctrico/electrónico, vive de baterias rápidas e nunca passadas para segundo plano, uma interminável lista de sintetizadores, e guitarra eléctrica/baixo aqui e ali. Jamie Reynolds, James Righton e Simon Taylor Davies acabam por contribuir os três, não só instrumentalmente, como vocalmente, o que até dá uma agradável sensaçaõ de gradação e variação a cada faixa, o problema aparece quando entre as diferentes faixas se começa a notar alguma falta de variação.

Pecando, precisamente, por ser abusadamente homogéneo, este é um álbum que usa as vozes para traçar unidade sobre todas as faixas. Assim se perde a originalidade, no abuso da estéticda repetição quase psicadélica, quase versão pop de Portishead, e assim se ganha um nada desgradável travo pop, uma vez que na voz de qualquer um dos rapazes não há nem rasto de agressividade, mas sim suavidade.

As canções em si não devem muito á originalidade em termos de esquema de composição, mas não há nenhuma que se possa apontar como má. Os arranjos são por vezes demasiado exagerados, mas não parecendo incongruentes, estão bem. A nível instrumental é a pouca variação que arruína tudo.

A escolha de "Golden Skans" para single de apresentação não surpreende, sendo um dos melhores temas do álbum.

No proximo álbum, cujo nome ja é conhecido, "A Bugged Out Mix", talvez já se tenha soltado a verdadeira originalidade.

Veredicto: 15/20

Lou Rhodes - Each Moment New

(Effenaar Eindhoven 23-06-06)
Nao fazia a mínima ideia que havia semelhante video no YouTube. A única vez que procurei videos da Lou, saíram-me coisas do tempo dos Lamb. EACH MOMENT NEW, semelhante a este, foi um dos momentos altos no ano passado, na Batalha. No NorteShopping teve um acompanhamento instrumental mais contido, nao deixando de ser um masterpiece... CHEERS

Lou Rhodes: FNAC Norteshopping

SONHO DE UMA NOITE DE INVERNO

O Café da FNAC do NorteShopping foi palco de um dos mais belos momentos do ano, e quase ninguém deu por isso. Lou Rhodes surgiu, em frente a uma plateia cheia, mas não tão cheia como deveria estar, com duas guitarras acústicas e a sua própria voz, e que voz essa!

O início, abrupto, foi feito com "Gabriel" numa revigorante versão em que Lou canta sobre samplers da sua própria voz como fundo instrumental. Comovente, sem dúvida, e surpreendente. O que já tinha sido clarificado o ano passado no concerto do cinema da Batalha, é agora confirmado: Lou Rhodes consegue redesenhar uma canção que, pela qualidade e pelo sucesso, parece intocável, novas roupagens, que a transmutam por completo.

Não obstante, sendo o motivo de reunião entre a musicien e o público, a apresentação do segundo álbum a solo da ex-vocalista dos Lamb, "Bloom", e, a título disto mesmo, seguem-se as interpretações de "Bloom" e "They Say". A primeira, apresentada como inédito na Batalha, é um emotivo turbilhão de tristeza e alegria, um misto de esperança e resignação. Musicalmente bem estuturado, boa melodia com claros traços folk. "They Say" é, no entanto, mais forte. Acompanhada duma linha de guitarra simples, mas agressiva, e ao mesmo tempo, comovente, Lou canta-nos, desesperadamente "Broken I find your clothes and dress myself in them..." materializando um medo tão familiar a todos, como a solidão ou a ausência. A terminar com vários samplers da sua voz que, sobrepostos, repetem esta frase, "They Say" é, claramente, um dos mais imponentes momentos de "Bloom", pela fusão que faz entre uma dolorosa melodia e barrocos arranjos.

De encore servem dois temas cruciais de "Beloved One", o primeiro álbum a solo de Rhodes. Primeiro, "Tremble", single de apresentação, que não perde, definitivamente, a sua força luxuriosa na versão reduzida a voz e guitarra acústica. No entanto, em "Each Moment New", brilha sem dificuldade. Canção que tanto pode ser abordada pela sua força incontornável como pela sua componente intimista, "Each Moment New" continua a ser uma canção exemplar folk, povoada de lições de uma viagem terminável, mas sem fim á vista.

Simpática, como sempre, Lou foi explicando o que cada canção era para si, e soube ser receptora do evidente carinho do público.

A repetir, mas em versão extensa e numa sala mais adequada, esperemos nós...

Veredicto: 19/20

The Cloud Room: The Cloud Room

ATRÁS DAS NUVENS ESTÁ O SOL

Ainda antes de ouvir "Please Don´t Almoust Kill Me", o EP lançado há semanas, segundo da disocgrafia dos The Cloud Room, sinto-me na obrigação (Comigo mesmo.) de dizer de minha justiça a propósito do álbum homónimo, o primeiro.

O registo primogénito da banda fundada por J Stuart, parente de Philip Glass (Por falar do assunto.), é um agradável sopro musical, povoado da sensação de que o que se ouve é insólito.

E isto em 2005 ainda mais. Entretanto o surgir (Ou o afirmar.) de bandas como os Arcade Fire ou os Clap Your Hands Say Yeah vieram reforçar esta ideia, acompanhando os Cloud Room nesse trilho incerto que é o Indie Rock.

"The Cloud Room" começa com "Hey Now Now", de resto tema de mais projecção do álbum, e que, ainda nos confins de sites na net começou a dar visibilidade á banda de Brooklyn. Nele, além da explosão que tenta, sem sucesso, ser contida, já dá para perceber que J tem noção das limitações da sua voz (E joga que acordo com isso, o que só demonstra inteligência.), e a canção nunca deixa de ser excelente. A sonoridade é diferente do que é costume vermos nas bandas de rock. Não existe a ansiedade de ter uma guitarra eléctrica a rebentar sod uma voz aos gritos até ficar rouca, bem pelo contrário, o que se procura é um equilíbrio dentro do caos, e alguma moderação no aspecto instrumental.

O álbum viaja sempre dentro desta sonoridade em que a explosão surge na tentativa de conteção. A performance dos músicos é perfeita e muito bem programada, surgindo cada instrumento no momento certo, e sempre conseguindo que cada um se ouça. Peca por vezes por abusar da contenção ("O My Love") o que não abona propriamente a favor da banda, e principalmente a favor de J Stuart, cuja voz fica sempre no mesmo registo.

As canções em si são compoisções com um gosto muito apurado, simples, mas engrandecidas pelos arranjos, ora barrocamente desmedidos, ora mais minimalistas. Há uma omnipresente energia em cada uma, e, definitivamente, têm potencial para resultarem num excelente concerto. Ouvindo "Waterfall", "Beautiful Mess" ou "We Sleep In The Ocean" guardamos depois a certeza de estar não só perante um grande álbum como também perante uma grande banda.

Veredicto Final: 19/20

Laurie Anderson: Big Science (Remastered)

PREVIOUS LIFE

Publicado pela primeira vez e 1982, incluindo "O Superman", provavel e injustamente o tema de maior aceitação por parte do público, "Big Science" não deixa de ser um álbum maior no contexto da discografia de Laurie Anderson. Marcado inevitavelmente pelo universo de constante análise e observação que caracteriza esta musicien/ artista plástica, este é um álbum que, ainda que bem sucedido, para muita gente não passará de uma intelectualização do mundo e da vida cantado ou contado sobreum fundo instrumental. E se para muitos, tal facto deve ser levado no sentido pejorativo, a mim parece-me ser, na verdade, louvável. Em relação á música em si, ela é instrumentalmente simples, com sons sintetizados a saltar em cada faixa, denotando-se um apurado gosto nos arranjos feitos mais frequentemente para violino, instrumento que, aliás, Anderson usa com mais frequência. De reflexões como "Walking and Falling" ou "Born, Never Asked", Laurie retira uma visão particular e muito bem fundada daquilo que é o mundo e as pessoas (O que, aliás, não constitui qualquer surpresa.), como quando nos diz "You were born, and so you´re free".

Acompanhada por vários músicos, que contribuem tanto com instrumentos de percussão, como em arranjos de sopros, etc, a música não deixa de ser centrada na presença, quer literária, quer vocal, quer instrumental de Laurie, o que não deve ser interpretado como aspecto negativo, visto a música de Laurie Anderson não ser apenas música, tentantdo existir também como peça de arte e de literatura, em que o papel criativo cabe á própria.

A edição lançada há alguns meses, no entanto, peca por não oferecer nada de muito aliciante. Acrescenta ás faixas que já faziam parte do álbum videoclip de "O Superman" (Peça largamente interessante tanto como videclip como elemento de Video Art.) e a canção "Walk The Dog". E por isto mesmo a nova edição de "Big Science" não seduz assim tanto: porque a canção, ainda que boa, é apenas uma, e o videoclip é fácil de encontrar no DVD com a videografia de Laurie Anderson.

Veredicto Final

(Album): 19/20

(Edição Nova): 15/20

Teresa Salgueiro: Você e Eu

SAMBA E AMOR

Teresa Salgueiro era a voz (E que voz!) dos Madredeus. De repente, "Obrigado" mostra-nos uma Teresa não só, uma vez que o álbum reunia algumas das suas melhores colaborações com outros músicos (De Dulce Pontes a Jah Wobble.), mas sem os músicos dos Madredeus. Em "Você e Eu", segundo álbum em que está fora dos Madredeus, mas continua acompanhada, neste caso pelo Septeto de João Cristal, Teresa Salgueiro foge numa direcção nada óbvia que nos deixa boqueabertos: música brasileira. Maria João e Maria de Medeiros fazem-no ao mesmo tempo, mas nenhuma nos deixa a piscar os olhos tanto como Teresa.

Ora, e, comparações são o mais básico vício do ser humano, e, sem ser um mau álbum, este "Você e Eu" é, ao lado de "João" e "A Little More Blue", o pior destes três testemunhos desta vaga de ir ao outro lado do Atlântico buscar canções. E pior precisamente porque, uma vez mais não querendo vir sozinha, Teresa Salgueiro se faz acompanhar por uma banda de músicos... brasileiros.

Aqui reside o problema do segundo álbum da senhora fora dos Madredeus. É uma portuguesa a cantar músicas brasileiras. Mas, em vez de fazer como fizeram Maria de Medeiros e Maria João, e procurar dar uma roupagem nova ás canções, despindo-as do ambiente típico da música tradiconal brasileira, ela surge com uma banda de músicos brasileiros que escreveram para as canções brasileiros arranjos de som muito brasileiro, resultado: soa-nos ao álbum de uma cantora portuguesa a tentar ser brasileira. Má ideia.

Como seria uma má ideia que um brasileiro pegasse na guitarra portuguesa e tentasse cantar o fado como o cantam portugueses de sangue, também é má ideia Teresa Salgueiro tentar "sambar" com a voz.

E vai ser esta mesma voz, sambando ou não sambando, que vai dar a "Você e Eu" a redenção. Porque sobre estes brasileirismos todos, não deixa de ser bizarro ouvir voz tão melódica e agúda. A postura de Teresa é perfeita, dela outra coisa não se espera, e interpreta estas canções com alma, evidenciando a parte pessoal de cada uma.

O alinhamento é interessante, dá destaque a Vinicius de Moraes e António Carlos Jobim, mas há também espaço para Chico Buarque, Ary Barroso ou Dolores Duran. Um alinhamento pessoal, pois claro, e ainda bem.

Pecando por ser um pouco comprido, se nos esquecermos do contexto do álbum, ele é fácil de ouvir sem aborrecer, até pelos diferentes sabores que "Você e Eu" vai assumindo.

Se há destaques, eles têm que ir para "Chovendo na Roseira" de Jobim, "A Banda" de Chico Buarque e "Estrada do Sol" de Dolores Duncan e Jobim.

A direcção de arte do album tem que ser referida, e por ser péssima. Boa foto na capa, estragada pelo excesso de letras (Less is more.), contracapa horrível.

Salva, aqui, pela voz cristalina, não deixa de ser um tiro ligeiramente ao lado para Teresa Salgueiro.

O terceiro álbum, entretanto, já chegou. Com toda a crença que tenho em Teresa Salgueiro, acredito que, com mais alguns álbuns, "Você e Eu" se torne numa referência menor, uma vez que a acredito capaz de bem melhor. Até lá.

Veredicto Final: 15/20

False Flags

O início, quando o pequeno grande Robert Del Naja interpreta "False Flags" um dos temas centrais do album em apresentação. Fica a letra:

In city shoes
Of clueless blues
Pays the views
And no-mans news
Blades will fade from blood to sport
The heroin's cut these fuses short
Smokers rode a colonial pig
Drink and frame this pain i think
I'm melting silver poles my dear
You bleed your wings and then disappear
The moving scenes and pilot lights
Smithereens have got 'em scaling heights
Modern times come talk me down
And battle lines are drawn across this town
Parisian boys without your names
Ghetto stones instead of chains
Talk 'em down cause it's up in flames
And nothing's changed
Parisian boys without your names
Riot like 1968 again
The days of rage yeah nothing's changed
Well pretty flames
In school i would just bite my tongue
And now your words they strike me down
The flags are false and they contradict
They point and click which wounds to lick
On avenues this christian breeze
Turns its heart to more needles please
Our eyes roll back and we beg for more
It frays this skin and then underscore
The case for war you spin and bleed
The cells you fill screensavers feed
The girls you breed the soaps that you write
The graceless charm of your gutter snipes
The moving scenes and suburbanites
And smithereens got 'em scaling heights
Modern times come talk me down
The battle lines are drawn across this town
English boys without your names
Ghetto stones instead of chains
Hearts and minds and u.s. Planes
Nothing's changed
And english boys without your names
Riot like the 1980's again
The days of rage yeah nothing's changed
More pretty flames

Massive Attack: Coliseu do Porto

COM QUE VOZ?

Passavam pouco mais de vinte mintuos das dez e meia do dia 18 de Setembro, no Coliseu do Porto, quando mensagens passando em ecrãs de luzes anunciam o início do concerto dos Massive Attack. Com o Coliseu a abarrotar, literalmente, Robert "3D" Del Naja entra no palco para começar com "False Flags", segundo single de "Collected", o best of em apresentação. Um início cheio de força, surpreendente na medida em que ao vivo a densidade da versão de estúdio não se perde. A partir daqui, ao longo da noite, a promessa é sempre cumprida: além de apresentar algumas faixas do próximo álbum, revisitar uma boa parte da ainda curta discografia dos Massive Attack, dentro do possível tendo em conta os convidados: um simpático Horace Andy sempre a altura, com "Angel", "Hymn Of The Big Wheel", respectivamente de "Mezzanine" e "Blue Lines" a marcar as suas melhores presenças. Liz Fraser era, provavelmente, aquela de quem se esperava mais, e também a responsável pelo pior momento da noite, precisamente aquele que muitos estavam a espera: "Teardrop". Ainda que a versão que substitui o cravo pela guitarra acústica seja estranhamente boa, a canção correu mesmo mal a Liz, que ao começar um ou dois tons acima não se encontra capaz de acompanhar. Uma vergonha que viria a fazer esquecer definitivamente com "Group Four", onde, apesar da vocalização ser mais exigente, ela se porta irrepreensivlemente, e na última canção, antevisão do próximo álbum. Volta, Liz, estás perdoada. Deborah Miller é a terceira vocalista, aqui a fazer as vezes de Shara Nelson em "Safe From Harm" e "Unfinished Sympathy", os dois primeiros singles dos Massive Attack. Deborah tem uma voz incirvelmente semlhante á de Shara, chegando mesmo a confundir. A sua presença destaca-se, sem dúvida não só na voz, como também na sua pose, é certamente uma das pessoas mais charmosas a pisar o palco.

Quem também canta são os músicos dos Massive Attack, "Robert Del Naja e Grant "Daddy G" Marshall, por vezes juntos como no fantástico "Karmakoma" resgatado do álbum "Protection", outras vezes com Del Naja a solo, como em "Inertia Creeps", "Future Proof" ou "Butterfly Caught". Daddy G peca por estar demasiadas vezes fora do palco, fazendo-o parecer mais um convidado.

Em relação ao que mostaram do próximo álbum, "Weather Underground", as canções parecem continuar no caminho de "100th Window", que já de si era um desvio daquilo que se tinha feito até "Mezzanine". Com uma sonoridade densa e pesada, não deixa de ser entusiasmante a ideia de vermos vozes como as de Liz Fraser ou Terry Callier, já confirmados, a cantar sobre tudo isto. Destaque para a última canção da noite, uma novidade com Liz Fraser ao microfone, onde a presença de dois bateristas se denota mais do que nunca. Das canções já conhecidas, escolheram-se as que já são da praxe, caso de "Teardrop", "Angel" ou "Unfinished Sympathy", mas sente-se sempre a falta de outras músicas de menos projecção da banda de Bristol, caso de "Dissolved Girl" com Sara Jay á voz, "Black Milk/ Black Melt" com Liz Fraser, das três faixas de Sinead O´Connor naquele que é afinal o mais recente álbum de originais dos Massive Attack ou das duas de Tracey Thorn e Nicolette. Claro que ter tantos convidados numa só noite seria bom de mais para ser verdade, mas podemos sempre sonhar. O problema, queria eu dizer, foi um e só um: não se foi muito para além daquilo que se espera. Dentro daquilo que se cantou, tudo foi perfeito, sem sombra para dúvida.

Veredicto Final_ 19/20

a frase

"Não é porque alguém chama que alguém responde. Não é porque alguém quer que a obra é feita. Só por vezes."

LÍDIA JORGE

in "A Costa dos Murmúrios"

1984

ISABEL LHANO, "Pulsar", 2001, acrílico sobre tela