Delta Goodrem: Mistaken Identity

IOGURTE DE PEDAÇOS

Tal como acontece com Vanessa Carlton, julgo que também o segundo álbum de Delta Goodrem não está publicado em Portugal. De qualquer maneira, "Mistaken Identity" merece que se lhe dê uma oportunidade, nem que seja por respeito a "Innocent Eyes", o álbum de estreia desta pianista australiana.

"Innocent Eyes" era o álbum de uma menina de 18 anos, um fresco e agradável devaneio pop, com traços mais elaborados, demonstrando que Goodrem e os respectivos produtores não ficariam satisfeito por uma típica construção "voz, guitarra, bateria, baixo, piano". Além disso, continha grandes canções, baladas principalmente, como "Will You Fall For Me", "In My Own Time", "My Big Mistake" ou "Not Me Not I", e momentos que só davam vontade de repetir a audição do álbum, como ouvir a letra de "Not Me Not I", ou o arranjo de "Will You Fall For Me".

Em "Mistaken Identity" isso muda. Ou não muda, e o problema é esse: o segundo álbum parece-se mais do que devia com o primeiro. Não é que sejam iguais, mas a evolução não é tão grande como seria de esperar.

Para começar algumas das canções recusam-se a fazer o que em Delta Goodrem era tão bom: recusar os traços típicos pop. Agora, Delta aceita-os e encoropora-os, o que é uma pena, em mais canções do que devia. "Out Of The Blue" é uma delas, "Almoust Here" que canta com um lamechas Brian McFadden é outra.

Depois, aposta demasiado na sua própria voz, deixando para segundo plano as suas brilhantes interpretações ao piano. Para se salvar, nessas canções em que deixa entrar os commonplaces da pop, acaba por revelar-se melhor pianista do que cantora. Isto porque certas canções, como o brilhante "The Analyst" têm excelentes partituras para piano. Resultado, ficamos com uma espécie de iogurte de pedaços: temos uma massa homogénia, mas, pelo meio, encontramos algo mais sólido e saboroso, que, neste caso, são estes momentos de piano, e ainda algumas canções como "Sanctuary".

Se há momentos a referir, eles são, logo a segunda faixa, "The Analyst", uma rara composição pop; o titletrack, de uma força surpreendente, "Electric Storm", um momento mais romântico, "Fagile", e "Sanctuary".

Enfim, aquilo que era avassalador e surpreendente em "Innocent Eyes", já não é novidade em "Mistaken Identity", ainda assim, não deixa de ser um álbum pop de aplaudir, por preservar a qualidade.

Nota Final_ 14/20

Maria de Medeiros: A Little More Blue

ELA CANTA

Quando soube que Maria de Medeiros ia gravar um álbum, fiquei indiferente. Gostei dela em "Capitães de Abril" que relizou e protagonizou, gosteu dela em "Pulp Fiction" de Quentin Tarantino, gostei de lhe ouvir a voz na declamação de um poema de Vasco Graça Moura no "Drama Box" de Mísia. Mas a cantar, não a conhecia. Depois, soube que o álbum seria de clássicos brasileiros, e não achei piada. Também Teresa Salgueiro e Maria João o iam fazer. Três álbuns de três mulheres portuguesas a cantar canções brasileiras, fazem-me fazer uma pergunta: não temos nós, cá em Portugal, bons compositores, bons músicos??? Temos que ir resgatar os braileiros. Parece-me uma escolha natural em Maria João, salvaguardo-a, porque, conhecendo o seu percurso com e sem Mário Laginha, sempre fez umas escolhas muito ao lado, mas muito certeiras. Quanto a Teresa Salgueiro não ouvi ainda o seu álbum, mas não era bem isto que esperava dela, fora dos Madredeus. E quanto a Maria de Medeiros, parece-me uma escolha perigosa para uma estreia, mas, devo confessar, que "A Little More Blue" me seduziu.

Não sendo eu consideravelmente fã de MPB, devo dizer que o álbum de Maria está produzido com perfeccionismo, a escolha dos temas é claramente pessoal, e, por isso, pouco pretenciosa, e a sonoridade coloca-nos esses temas no campo do jazz, o que acaba por se revelar uma transmutação agradável, a juntar á voz da filha do Maestro António Victorino d´Almeida, também ela suave e agradável.

Dá particular atenção a Chico Buarque de quem intrepreta nove composições, mas encontramos ainda Caetano Veloso no tema que dá título ao álbum, e no fantástico "O Quereres", Ivan Lins com "Começar de Novo", Gilberto Gil com "O Seu Amor" e Dolores Duran com "A Noite do Meu Bem". Sendo a qualidade das faixas pouco oscilante, sempre se destacam os temas de Caetano Veloso, "Acorda Amor" e "Tanto Mar" de Chico Buarque.

Maria de Medeiros surge-nos acompanhada por três músicos, o pianista Jeff Cohen, veterano da ópera, o percussionista Joel Grare, vindo da música barroca, e o contrabaixista Emek Evcil, pertencente ao jazz e á world music.

É de louvar o facto de Maria não ter a pretensão de parecer brasileira: imita o sotaque, que felizmente não lhe sai perfeito, mas não tenta nunca cantar como se cantasse samba, abordando, como a própria admite, estas canções como actriz e não como cantora.

O resultado é excelente. Entra em nós com suavidade, mas entranha-se. Maria de Medeiros tem aqui mais um trunfo, e eu, ainda que mantenha a minha pergunta sobre os compositores portugueses, só tenho que lhe dar os parabéns, porque ela fez um disco quase perfeito.

Veredicto Final_ 18/20

SBSR 2007

Dia 3.

THE GIFT (18:35- 19:35)

É muito bom ver que o facto de serem tão mal-tratados com o horário em que os inseriram, não levou os The Gift a dar um concerto menos bom. Se há algum tipo de reparação a ser feita, é só ao facto de o alinhamento não ter sido feito a pensar nos fãs mas sim num festival. As canções mais conhecidas ou menos complexas. Ficamos a sentir a falta de "My Lovely Mirror", de "Nice And Sweet" ou de "Cube", ainda que tenhamos a sorte de ter ouvido "645", "Actress (AM-FM)" ou "11:33". A entrada no palco foi bastante estranha, os elementos da banda não entraram como se o fossem, mas antes como se fossem técnicos do staff, só Sónia Tavares entrou de uma forma mais á sua medida. Por falar em Sónia Tavares, a ela os parabéns pelas escolhas na roupa, que lhe ficava muito bem, e nos deixava com a sensação de que está cada vez mais bonita. Estiveram bem, ainda que sem muitas surpresas, não percebi porque não tocaram "Fácil de Entender", uma cabnção que está tanto na berra, mas não deixa de ser uma escolha surpreendente. Destaques para "645", com a energia do costume, para "Pure", na nova versão, e para "Actress", a segunda surpresa, uma vez que é uma canção que parecia já estar esquecida. Longe de ser um dos melhores concertos dos Gift, não deixa de ter sido um momento assinalável do segundo dia do Festival.

Nota: 18/20

KLAXONS (19:45- 20:45)

Tornaram-se a coqueluche dos meninos betinhos fãs de pop/rock, mas eles que me perdoem, os Klaxons, por enquanto não têm qualidade para mais que isso. A fusão entre o rock e a dance music a que querem chamar new rave pode ter piada, mas só se for explorada de uma forma variada, o que não acontece. E, sem uma boa noção de como dar um concerto, os Klaxons colam-se ao que ouvimos no álbum, e, ainda por cima, abusam dos "oooooooooooooh" e "uuuuuuuuuuuuuh" e "aaaaaaaaaaaaaaaaaah", mas abusam mesmo, o que torna por vezes fácil que não se distinga uma música de outra. Em questões de alinhamento, o que fizeram resultaria bem com um espelho debaixo da última canção: deixaram as mais calmas para o final e inicaram com as mais agitadas, o que é um erro. Como se isto não chegasse, parecem sérios candidatos a adoptar aquela irritante estética Arctic Monkeys ou Red Hot Chili Peppers: escrever sempre a mesma canção. Momentos como "Golden Skanks" ou "Magick" não deixam de ser bons momentos, mas só vão de encontro áquilo que fica claro com o álbum: os Klaxons têm o potencial, mas ainda lhes falta muita coisa para serem uma boa banda.

Nota: 13/20

BLOC PARTY (22:25- 23:30)

Fiquei surpreendido com os Bloc Party. Ainda que "A Weekend In The City" não tenha sido suficiente para fazer sombra a "Silent Alarm", os dois álbuns tendem a ser bons. Mas não esperava um concerto mais do que razoável. E foi bom, tenho que admititr. Kele Okereke, que repetiu repetidamente que gostava do público português, mostrou-se um sujeito simpático, e não esteve nada mal. O alinhamento esteve inteliegente, compondo-se de canção ritmadas e agitadas, de maneira a não perder a aderência do público, como aconteceu com os Klaxons. Pecam, ainda assim, por terem tocado "Banquet" tão chegado ao início. Sendo a música com mais sucesso da banda, deveria ter figurado na parte final, mas não morreu ninguém por isso. As críticas ao segundo álbum geraram uma certa dualidade, há quem afirme que é bom, quem afirme que é mau, mas, uma coisa é certa: os Bloc Party sabem fazer um concerto.

Nota: 17/20

ARCADE FIRE (00:00- 01:45)

Começou com muitos minutos de atraso o concerto por que grande parte do pessoal esperava. Mas isso foi perfeitamente escamoteado pela gloriosa entrada em palco do colectivo de Win Butler e Régine Chassagne, com "Black Mirror", o avassalador tema de abertura de "Neon Bible". Ao longo da noite, quilibrou-se "Neon Bible" com o seu antecessor, "Funeral", e ainda se passou pelo EP para cantar "Headlights Look Like Diamonds". O público revelou-se fanático, acompanhando razoavelmente/bem as letras, e fazendo coros de "ohohohohohoh", essas coisas todas...

Em versões que ultrapassam, claramente, as de estúdio, ouvimos pérolas como "Haïti" (Na voz da simpatissíssima Régine.), "No Cars Go", "Neighborhood #1 (Tunnels)" e "Neighborhood #3 (Power Out)" de "Funeral" e "Keep The Car Running", o fenomenal "Intervention", o melancólico "Ocean Of Noise", "(Antichrist Television Blues)" e "The Well And The Lighthouse" do segundo álbum.

"Rebellion (Lies)" terminou o concerto, não sem deixar espaço para o grandioso encore com o grandioso "Wake Up".

Não vou falar do que senti durante o concerto, mas deixo uma ideia só: não há palavras para falar do que são os Arcade Fire ao vivo, e, se não foi o melhor concerto a que já assisti, foi, certamente, um dos melhores.

Nota: 20/20

Lídia Jorge: Marido e Outros Contos

8 AQUECIMENTOS

"Marido e Outros Contos" foi a primeira colectânea de contos publicada de Lídia Jorge, no já lonínquo ano de 1997. São oito contos, incluindo "A Instrumentalina", um excelente conto que teve direito a uma publicação só para si, pela Dom Quixote, no ano de 1992.

Ler estas pequenas ficções é importante por uma razão muito simples: nelas, apesar de não estar presente a complexidade tão característica dos seus romances, está presente a forma de escrever, as simbologias, a gradiosidade, a sensão de que a escrita é mergulhada em éter... tudo isso está aqui, em todos e cada um destes contos.

"Marido", logo o primeiro de todos, e o que dá título ao livro, é um bom exemplo disso mesmo: Lídia conduz-nos pela história de uma fórma tão etérea, tão natural, que, quando ela tem o desfecho surpreendente que tem, somos completamente apanhados de surpresa, ficamos com o coração aos saltos...

Merecedores de destaque são também "O Conto do Nadador", "António" ou "A Prova dos Pássaros". O primeiro (Que é o segundo.) é um conto típico da capacidade de Lídia Jorge de tomar uma coisa pequena e fazer dela enorme, sem perder coerência. Quanto a "António" já não tem a ver com isso, mas sim com a descrição de uma situação simples, mas muito interessante, que Lídia Jorge conduz com mestria, como é seu hábito, até chegar á explicação que toda a gente procura. O último segue também essa linha, mas acaba por funcionar, primeiramente, como uma crónica, um retrato perfeito daqueles comportamentos em específico, e só depois de torna um conto.

Assinalável. Um aquecimento interessante para depois entrar a matar nos romances.

«Portugal pode contar entre os seus cidadãos três dos principais romancistas actuais. O Nobel José Saramago é um, e o modernista António Lobo Antunes é outro. Lídia Jorge deverá também ser incluída. Ela escreve com uma esplêndida economia de palavras e uma beleza premente. » escreveu-se, a propósito de "O Vale da Paixão" no INQUIRER de Filadélfia. E quem tem dúvidas nem precisa de fazer muito mais do que ler um destes contos, para ter a certeza...

Veredicto Final_ 18/20

Jewel: Goodbye Alice In Wonderland

O RETORNO DA FILHA PRÓDIGA

Só eu sei o choque que tive quando ouvi "0304", o quarto álbum de originais de Jewel, lançado no final de 2003, sob a produção de Lester Mendez (Shakira, p.e.). Todos sabemos que ninguém é perfeito, e Jewel nunca foi perfeita, nunca, desde o início, em 1994, mas também nunca fez nada de realmente mau. Mas no quarto álbum, abandalhou completamente as coisas, explorava bem a sua voz, e procurava novos registos, mas esses registos não lhe acentavam bem, e eram incongruentes com os três e muito bons álbuns anteriores. O lado pop de Jewel, o lado de "Intuition", de "Stand", de "Run 2 U", não estava, simplesmente, ao nível de composições tão grandiosas como "Down So Long", como "Foolish Games", como "I Won´t Walk Away", essas sim, perfeitas.

Explicações? Só encontro uma. Jewel é versátil, o que leva diferentes produtores a levá-la a adaptar-se a eles. Mas ao passo que Ben Keith, Patrick Leonard e Dan Huff, produtores respectivamente de "Pieces Of You" (1994), "Spirit" (1998) e "This Way" (2001) a levaram sempre por diferentes caminhos, mas sempre dentro do rock, Lester Mendez decidiu ser o mecenas de um projecto de a própria Jewel Kilcher define como "uma combinação de dance, urban e folk", e o resultado é fora de linha, e nada á altura, como já disse.

Mas, enfim, três anos volvidos, Jewel retorna aos estúdios, na companhia de Rob Cavallo, que, por muito que tenha estado envolvido em projectos tão vergonhosos como os Green Day ou os My Chemical Romance, era uma pessoa possível para aquilo que Jewel tinha que fazer: retornar ao rock, simples, brilhante, e suave, por vezes acústico, mas que era o seu estilo.

O resultado chega-nos ás mãos com o premonitório título de "Goodbye Alice In Wonderland", e não se pode deixar de respirar de alívio ao ouvi-lo. Afinal, Jewel não perdeu completamente a cabeça. Consegue, com o seu quinto álbum, uma abordagem pessoal, muito intimista, onde cada canção pertence a uma fase diferente da vida da senhora Kilcher.

Não deixa de haver refrões orelhudos que são herança directa de "0304", como acontece com "Drive To You" ou com "Again and Again", mas, pelo menos, são encorporados em canções claramente Jewel, e não Jewel-não-tarda-nada-Britney. São as canções simples, bonitas, melodiosas a que nos habituou desde sempre.

"Again and Again" é o primeiro single, uma escolha óbvia, por se tratar de um dos temas mais mainstream do álbum, ainda que, não deixando de ser uma razoável canção, não tenha genica para ultrapassar a energia de "Good Day", o tenebrismo de "Last Dance Rodeo" ou o poder de "Words Get In The Way".

Talvez a melhor canção seja mesmo "Stephenville TX".

Claro que há defeitos: por vezes, Jewel abusa das vocalizações inocentes e harmoniosas, acontece por exemplo no (meloso) refrão de "Again and Again", as letras não evitam, por vezes, commonplaces dispensáveis, e alguns refrões vêm estragar as canções, ou pelo menos retirar-lhes alguma qualidade, por serem demasiado acessíveis- again, "Again and Again".

Se tentarmos situar este álbum nos anteriores, este ficaria entre "Spirit" e "This Way". Falta-lhe uma atitude mais expedita para ser "This Way", mas tem mais complexidade do que "Spirit".

Enfim, nenhuma canção aqui pode ensombrar potências como "Barcelona", "Do You", "You Were Meant For Me" ou "Till We Run Out Of Road", para não dizer outras, mas não deixamos de ter aqui um regresso de Jewel a Jewel, e por isso, "Goodbye Alice In Wonderland" já vale a pena.

Esperemos que a menina bonita do Alasca não volte a perder a cabeça.

Veredicto Final_ 16/20

Vanessa Carlton: Harmonium

AVÉ VANESSA

Desconheço se o segundo álbum da pianista/ cantora Vanessa Carlton, "Harmonium" está publicado em Portugal, mas duvido, uma vez que, mesmo tendo sido lançado em 2004, só agora consegui ouvi-lo, três anos depois. Se realmente não está publicado, lamento.

É pouco claro se "Harmonium" tem o que é preciso para ultrapassar o seu predecessor, o aclamado "Be Not Nobody", mas é certo que consegue, pelo menos igualá-lo. Não se depreenda disto que os álbuns são iguais. Isso é falso. "Harmonium" ganha uma identidade própria na medida em que procura composições mais harmoniosas, arranjos mais complexos, mas também vocalizações mais inocentes. Por outro lado, ao passo que em "Be Not Nobody" encontrávamos uma grande variedade de tonalidades, em "Harmonium" encontramos, acima de tudo, unidade. É o defeito mais notório.

Sentimos a falta de momentos de solo, como acontecia com "Wanted" onde Vanessa brilhava sozinha, cantando e tocando piano; sentimos a falta de uma bateria como protagonista, como acontecia em "Prince". Ainda assim, há coisas boas para ouvir no segundo álbum:

a beleza singular de "Afterglow", a paisagem romantista de "Who´s To Say", o brilho de "Streets Have No Name", a sobriedade de "Annie" ou a suavidade de "She Floats".

Lamentavelmente, Vanessa Carlton dá o mesmo tiro no escuro que deu com "Be Not Nobody": escolhe para single o tema mais mainstream, logo, um dos piores, para ser o single de apresentação. "White Houses" repete só a fórmula do sucesso de "A Thousand Miles", limitando-se a retirar-lhe o piano acelarado. Um dos piores momentos do álbum.

Ainda assim, as canções são coerentes, como se uma gerasse a outra, e funcionam bem, sendo canções pop exemplares, preocupadas com o sentido estético, sem exageros, e sem deixar de recorrer a arranjos grandiosos. Destemida, Vanessa faz-se acompanhar de uma orquestra, aceitando o lado clássico, característico da sua formação no Conservatório.

Interessante na música de Vanessa Carlton é serem pouco claras as suas influências. Sabemos onde iseri-la, mas é difícil dizer onde pensa ela em quem. Podemos citar os nomes de Joni Mitchell, Sarah McLachlan... mas onde... quando...? É pouco óbvio.
Enfim, "Harmonium" é um álbum pop como por vezes desejaríamos que muitos fossem. Vanessa Carlton está de parabéns. Graças a musiciens como ela, ainda conseguimos acreditar que a pop se pode salvar das garras de Britney Spears ou da Rhianna...

Veredicto Final_ 16/20

Ute Lemper: Punishing Kiss

EM CARNE VIVA

Alemã de nascença, Ute Lemper iniciou a sua carreira em 1986 com "Ute Lemper Sings Kurt Weill", e o seu próximo álbum está prometido para breve. Já protagonizou peças musicais como "Chicago" ou "Cats", e a sua imagem e postura vão beber a Marlene Dietrich, Jeanne Moreau, Ingrid Craven ou Edith Piaf, mas a sua forma de cantar é, felizmente, muito sua, muito própria: carnal, visceral, irrespirável, asfixiante, extrema, forte.

A versão europeia de "Punishing Kiss", o seu décimo sétimo álbum, começa com "Little Water Song" de Nick Cave. Já aqui percebemos que estamos perante um grande álbum de uma intérprete prodigiosa. A maneira rasgada, oscilante, ora deseperada, ora calma, como canta a história de uma mulher que está a ser afogada pelo namorado é tocante, e tem o condão de nos arrastar instantaneamente para dentro do que se segue. E o que se segue não desaponta: "The Case Continues", escrito por Neil Hannon e Joby Talbot, dos Divine Comedy, mais um relato pouco óbvio, neste caso de um crime passional. Encontramos, em "Tango Ballad" de Kurt Weill, um excelente dueto com Neil Hannon, o próprio, que voltaremos a encontrar ainda em "Split", composição dos Divine Comedy. Outros compositores presentes são Tom Waits com o excelente "The Part You Throw Away", em que o acordeão, num tom cavo, se enrola com a voz, melancólica e sóbria, e em "Purple Avenue"; Philip Glass com o magnânimo "Streets Of Berlin"; e Elvis Costello, com o tema que dá título ao álbum, e ainda o fantástico "Couldn´t You Keep That To Yourself?".

Neste primeiro álbum em que interpreta autores contemporâneos, Ute Lemper não podia, afinal, ter estado mais irrepreensível: tem a capacidade de nos fazer esquecer a proveniência das canções, e se o seu nome constasse nos créditos como compositora, seria fácil acreditar. É difícil ouvir Nick Cave neste "Little Water Song", como é difícil ouvir Elvis Costello neste "Punishing Kiss".

Se há maus momentos neste álbum, eles estão muito bem camuflados, não damos por eles. Mesmo a última faixa, "Scope J", que poderia pecar por ser demasiado calma para ser a última, não soa mal, nem parece deslocada.

Percebe-se, no final, porque é tão justo que Ute Lemper seja uma diva por excelênica. Primeiro porque, não fosse ela, e a tradição do cabaret alemão era já uma memória, e segundo, porque quem faz álbuns destes, tem que ser reconhecido, senão não há justiça no universo.

Veredicto Final_ 19/20

videos para American Doll Posse de Tori Amos

Aqui ficam os vídeos para algumas músicas do novíssimo e belíssimo álbum de Tori Amos.

Bouncing Off Clouds, primeiro single na Europa, canção de Clyde, aqui e aqui e aqui.

Big Wheel, primeiro single americano, canção da própria Tori, aqui e aqui e aqui.

(parece-me que o primeiro em cada uma é o oficial, e os outros são resultados de concursos lançados pela Epic)

Ana Moura: Para Além da Saudade

TRATADO DAS PAIXÕES DA ALMA

Ao terceiro álbum, Ana Moura cotinua a confirmar o que afirmava em "Guarda-me a Vida Na Mão" (2002) e "Aconteceu" (2003): que o seu nome é digno de estar entre as fadistas que realmente o são, isto numa fase em que toda a gente quer cantar fado. Não é o caso de Ana Moura. Veio para ficar, o fado está-lhe na alma, e quando assim é, vê-se.

Mas se em "Guarda-me a Vida Na Mão" o que víamos era simplesmente uma boa fadista, havia uma faixa que nos prometia uma fadista original: a versão de "Lavava no Rio Lavava" de Amália Rodrigues. Gravando a canção com a voz das mulheres lavando no rio como fundo instrumental, percebia-se que em Ana Moura havia algo de diferente.

"Aconteceu" confirmou um pouco as duas coisas, principalmente a nível das participações com que contava, mas é, agora, três anos depois do segundo registo, com este "Para Além da Saudade", que vemos a confirmação da fadista original.

Fausto Bordalo Dias escreve pela primeira vez para o reportório de outro artista, com "E Viemos Nascidos do Mar", Amélia Muge contribui com o "Fado da Procura", Patxi Andeon musica

Fernando Pessoa em "Vaga, No Azul Amplo Solta", e Tim Ties dos Rolling Stones participa compondo ou tocando, nos últimos dois temas, "Velho Anjo"(Que musicou.) e "A Sós Com A Noite" (Onde toca saxofone.). São estas participações improváveis que não vemos associadas a outros nomes. As escolhas de reportório são pouco previsíveis, mas sempre coerentes.

A produção fica, uma vez mais, a cargo de Jorge Fernando (Mariza- "Fado Em Mim") que já havia produzido os anteriores álbuns da fadista. Não indo muito além daquilo que já fez nesses álbuns, não deixa de tirar proveito dos potenciais da voz de Ana Moura e das canções escolhidas.

Entre as quinze canções que constituem "Para Além da Saudade", há que dar destaque a "A Voz Que Conta a Nossa História", da autoria de Jorge Fernando, momento de extrema simplicidade e beleza, que nos leva a viajar por uma espécie de noite de frio, de éter, de néon e de nevoeiro; "Primeira Vez", a letra de "Até ao Fim do Fim" é um ex-libris do álbum; o dueto com Patxi Andeon é obviamente um momento alto, em que o fado parece encontrar, sobre as palavras de Pessoa, terrenos baldios pertencentes ao flamenco (?) num tom melancólico e nostálgico; assim como o belíssimo "A Sós Com a Noite" onde vagueia o saxofone de Tim Ries.
Após uma única audição de "Para Além da Saudade", torna-se fácil perder todas as dúvidas em relação ás razões que levaram Ana Moura aos palcos dos EUA ou da Holanda, entre tantas outras. Um dos melhores discos de fado de 2007, senão de sempre.

Veredicto Final_ 17/20

Inês Pedrosa: Fica Comigo Esta Noite

eXistenZ

O primeiro livro de contos assinado por Inês Pedrosa tem o belo título de "Fica Comigo Esta Noite" e é uma colectânea de doze contos escritos entre 1993 e 2002, e editados nas mais variadas publicações, desde a excelente revista "Egoísta" dos Casinos do Estoril e da Póvoa, ao "Europaexpress".
O primeiro chama-se "Só Sexo", e fala de uma relação cujo teor varia de acordo com a visão de cada uma das pessoas que a conhece, e acaba por ser um relato extraordinário, com passagens pela revolução do 25 de Abril e pela doença do cancro.
Depois, deambulamos por diferentes universos que, de várias poerspectivas, vão abordando questões relacionadas com o íntimo das mulheres e o íntimo dos homens, com a morte, a vida, o amor, a traição, a perda, a fantasia, a desilusão, o desamor. Relatos alegres e tristes, uns ainda exaltados, outros resignados, cada um com a sua voz, mas todos claramente pela mão de Inês Pedrosa.
De repente, há á nossa frente um universo cheio de vozes, por vezes rindo, por vezes chorando, mas que nos falam como acontece no conto "Conversa de Café", publicado sob o título de "Café F" na "Egoísta", em que uma mulher encontra um desconhecido no café é diz-lhe
"O senhor importa-se que eu lhe conte a história da minha vida?"
e assim nos falam das suas desgraças, e das suas alegrias. Há quem tenha assassinado o marido, há quem tenha perdido a filha, há quem tenha perdido a pátria, há quem veja a família escapar-se-lhe entre os dedos, há quem esteja a morrer, há quem não queira relações sérias, ou seja, há existências e crises existenciais, há pessoas, pessoas como nós.
E é, e sempre foi essa a melhor razão para ler Inês Pedrosa, o facto da sua escrita se tornar mais visceral, mais humana, á medida que as histórias avançam, chegando a uma fase em que respiramos o que escreve.
Em "Fica Comigo Esta Noite", parece-me que, ainda que todos os contos sejam muito bons, há quatro que se destacam por serem ainda melhores que os outros. São eles, mais ou menos por esta ordem: "Europa Plano Nocturno", "Só Sexo", "Todo o Amor" e "A Cabeleireira".
Um livro que vale a pena ler, e reler, enquanto se aguarda pela chegada do próximo romance.

Veredicto Final_ 18/20

Amy Winehouse: Back To Black

NEGROS HÁBITOS

Quando começamos a ouvir "Back To Black", enquanto Amy Winehouse nos diz "They tried to make me go to rehab, I said no, no, no", percebemos que desde os tempos de "Frank", alguma coisa mudou. O que mais sobressai é a voz. A voz que se tornou mais grossa, mais rasgada, e, claro, mais forte. A matriz também mudou. Se em "Frank" encontrávamos traços de jazz com contaminações ligeiras de R&B, em "Back To Black", encontramos a música soul, raizada nos anos sessenta setenta, com a voz a deambular entre fantásticos arranjos de sopros.

Estamos, certamente, com um dos melhores álbuns de Soul dos últimos anos, ainda assim, o segundo álbum de Amy Winehouse não é irrepreensível. Algumas canções, como "He Can Only Hold Her" ou "Some Unholy War", por boas que sejam, ficam apagadas em comparação a outras, fortíssimas, como "Yolu Know I´m No Good", "Me and Mr. Jones" ou "Tears Dry On Their Own".

Abona também a favor da cantora londrina a atitude expedita que usa para escrever as suas letras. Enquanto poderia estar a escrever letras sobre o amor, ou a falta dele, Amy Winehouse conta-nos como engana o namorado com o ex, recusa-se a ir para a rehabilitação, chora e grita e sofre, etc, etc, etc, uma desgraça boa de ouvir, porque nos põe em contacto com as piores coisas que já fizémos.

Em vez de seguir uma linha fácil, de modernidade Alicia Keys ou Ciara, Winehouse vei eber influencias á soul de há muito tempo atrás, arranjos que lembram os de Nina Simone ou Aretha Franklin. Nada contra quem o faz, mas, enfrentemos as coisas, assim soa melhor. Canções como "Me and Mr Jones" no seu tom divertido e insultuoso, "Tears Dry On Their One" ainda a lembrar "In My Bed", ou o energético "Wake Up Alone" merecem, de certeza, os rios de tinta que têm corrido sobre Amy. Só é pena que a imprensa se distraia das canções refrescantemente boas, e se concentrem nos problemas com o álcool que a cantora tem.

Felizmente, vão longe os tempos de "Fuck Me Pumps" ou "Know You Now", que, mesmo sendo boas canções, não chegavam nem perto de "You Know I´m No Good" ou "Back To Black". Nota-se que Winehouse ainda não decidiu o que quer fazer, mas uma coisa é certa: fez dois álbuns em dois registos diferentes e não se saíu mal em nenhum. Veremos o que fará a seguir, mas se optar por seguir na linha de "Back To Black" não é uma má escolha.

Veredicto Final_ 18/20

Placebo: Creamfields Lisboa 2007

Não sei como aconteceu, mas esqueci-me de comentar o concerto dos Placebo no Creamfields, o que é esquisito, principalmente quando, após ler algumas notas sobre o concerto na Internet, percebi que a minha opinião vai contra a corrente.
Eu gostei daqueles cinquenta e cinco minutos em que os Placebo estiveram em cima do palco. Não vou dizer que fiquei muito feliz por o Brian ter perdido a voz... "Coisas que acontecem" pensei eu. Como disse, não fiquei radiante, mas, primeiro que tudo, cinquenta e cinco minutos é melhor do que nenhum, depois, o Brian não teve culpa, deve ter sido muito frustrante para ele, e eu próprio estava com frio, e terceiro, a parte que tocaram tocaram muito bem.
Quanto ao concerto em si, ele passou essencialmente pelo sexto álbum, "Meds", com "Infra Red", um delicioso "Drag", o fenomenal "Because I Want You To", "One Of a Kind", e, claro, "Song To Say Goodbye", além da versão em piano do tema-título.
Claro que o concerto não aconteceria sem retornos ao passado, e eles marcaram-se, claro. Passou-se por "Bionic", do primeiro e homónimo álbum, o obrigatório "Every You and Every Me" de "Without You I´m Nothing", o fortíssimo "Special K" de "Black Market Music" e ainda "Special Needs", "Sleeping With Ghosts (Soulmates Never Die)" e, a terminar, my personal favourite, "The Bitter End", num final que, infelizmente, foi mesmo bitter.
Entretanto, passei pela net e estive a ler comentários ao concerto, muito por alto, sem grande atenção, mas, no geral, toda a gente falava como se o Brian tivesse feito de propósito para ficar sem voz, ou como se fosse uma coisa que se resolvia com um rebuçado para a tosse, o que é falso. Em apenas 55 minutos, eles conseguiram ultrapassar em qualidade a hora e três quartos do ano passado no SBSR, uma vez que um ano de digressão os habituou ás canções, que aparecem transmutadas e melhoradas.
Lamentei muito quando descobri que para os encores estavam prontos "20 Years" e "Taste In Men", mas, principalmente, por "Running Up That Hill", de Kate Bush, cuja versão dos Placebo é comovente.
Enfim, c´est la vie. Terá que ficar para a próxima.

fotografia dos Placebo de www.blitz.pt

Todd Haynes: Velvet Goldmine

VERMELHO E NEGRO

A certa altura, em "Velvet Goldmine", Jonathan Rys-Meyers, no papel de Brian Slade, diz a um jornalista
"_O rock é uma prostituta. Tem que parecer vamp e produzida."
e temos aqui a explicação das quase duas horas do filme de Todd Haynes, que estreou em Cannes em 1998.
Oscar Wilde é aqui apontado como o progenitor de todo o estilo que se viria a chamar glam rock. Jack Fairy, o primeiro personagem que encontramos, ainda criança, encontra uma joia que pertencera ao escritor gay, e, a partir dessa joia, cria todo o seu estilo, andrógino e sonhador. Como Toni Collette, perfeita no papel de Mandy Slade, explica mais tarde:
"_Todos roubavam do Jack."
Tudo começa quando em 1974, Brian Slade, o rei do glam rock, forja o seu próprio abatimento em palco. A farsa é descoberta, e a carreira e a vida de Slade começa a declinar, até não ter, aparentemente, retorno.
Dez anos depois, Arthur Struart (Christian Bale) é pago para fazer uma reportagem com o título "O Que Aconteceu a Brian Slade", porque estava presente no concerto que pôs fim ao artista.
O Arthur que encontramos é uma criatura melancólica e pouco comunicativa, chegando a ser inerte, pelo que se percebe porque associa a sua adolescência a outra pessoa qualquer.
Fala primeiro com Cecil (Michael Feast), o primeiro manager de Slade, que o descobriu quando tocava no bar da mulher, Mandy Slade (Toni Collette), e que o conduziu nos primeiros e conturbados tempos da sua carreira.
As explicações de Cecil terminam quando Jerry Divine (Eddie Izzard) descobre Slade e o transforma numa estrela.
É pela voz de Mandy quye ouvimos a vida da estrela de Brian Slade (Rhys-Meyers), dono de uma voz interessante, de um talento peculiar, de um estilo libertino, bissexual, e polémico cada vez que abre a boca.
A sua maior influencia seria o músico Curt Wild (Ewan McGregor), gay, (Aparentemente.) esquizofrénico e viciado em vários tipos de droga. É também por ele que se apaixonará, quando o conhece pessoalmente.
Com os relatos destas pessoas, Arthur acabará por descobrir mesmo o que aconteceu a Brian Slade, ainda que se perceba que essa é uma questão mais pessoal do que profissional, na medida em que a influencia de Slade e Wild na vida do jornalista foi mais do que seria de esperar.
A história, apesar de ser contada cronológicamente, parece dar várias reviravoltas, sem se tornar confusa. O filme é bom, mas é pouco claro se a crónica do glam rock se faz através da música ou através da estética.
São notórias certas referências que, ainda que coerentes, seria preferível não estarem tão expostas: Curt Wild é uma personalidade que relembra Iggy Pop, visulamente, Kurt Cobain, e o nome próprio idem aspas- Kurt, Curt... Brian Slade- Brian Molko, e até fisicamente são parecidos, ainda que Slade contenha ainda as referências da praxe a Bowie e Lou Reed.
Os actores são, ainda assim, a melhor parte do filme, sendo de Toni Collette a melhor interpretação, não desfazendo a de Christian Bale, com particular á-vontade para papéis mais melancólicos, Rhys-Meyes que surpreende por encaixar tão bem em Slade, Ewan McGregor que, aparte de todas as mudanças visuais, consegue fazer esquecer as referências que carrega em si.
E não podia deixar de realçar a participação de Brian Molko, dos Placebo, num papel curtinho, mas cómico. Muito bem.





Veredicto final_ 16/20

Tori Amos: American Doll Posse

BONECA INTELIGENTE

Tem o brilhante nome de "American Doll Posse" o novo e décimo álbum de originais de Tori Amos, que é também, senão o melhor, o melhor de todos. Seguindo a lógica de "The Beekeeper", "American Doll Posse" está dividido, neste caso, em quatro partes, representando cada uma uma mulher que é uma das facetas de Tori Amos.

São elas: Clyde, Isabel, Santa e Pip, além da própria Tori.

Clyde, baseada em Persephone, dá voz a "Bouncing Off Clouds", "Girl Dissapearing", "Rusterspoor Brige" e "Beauty Of Speed", pertencem-lhe as letras mais idealizadas e utópicas, as que procuram a lado bom das coisas e das pessoas. Quanto ás músicas, o sentido estético e a procura da harmonia são óbvias, por exemplo em "Bouncing Off Clouds".

Isabel, baseada em Artemisa, é uma fotógrafa que alega documentar aquilo que vê, e dá voz a "Yo George", "Mr Bad Man", "Devils And Gods", "Almoust Rosey" e "The Dark Side Of The Sun; ou seja, o lado mais político (Anti-Bush.) e inetrventivo do álbum. As suas músicas são patenteadas de uma sonoridade mais agressiva, mas com um certo tom irónico. A simplicidade e crueza são também características desta artista.

Santa, a partir de Afrodite, representa o lado mais sensual, e interpreta "You Can Bring Your Dog", "Secret Spell", "Body And Soul", "Porgrammable Soda" e "Dragon"; sendo-lhe entregues as composições mais ligadas ao aspecto exterior do mundo, e á sensualidade. Assim sendo, é só coeso que as suas composições sejam as mais conseguidas e complexas em termos de ritmo, onde se procura algo de corporal, mas ao mesmo tempo de sedutor, sem ser sexual.

Pip é Atenas, uma gerreira, e é dela a voz de "Teenage Hustling", "Fat Slut", "Velvet Revolution", "Smokey Joe" e ainda acompanha Santa em "Body and Soul". As suas letras são as mais demarcadas pela ideia de luta e de resistência. As composições são as mais sorumbáticas, mas ao mesmo tempo pesadas e agressivas.

Para Tori, sobram "Big Wheel", "Digital Ghost", "Father´s Son", "Code Red" e "Posse Bonus", que parecem por vezes ser uma visão de Tori sobre si mesma, mas como se se tratasse de outra pessoa. São as letras mais ligadas ao stroytelling, e as melodias mais eclécticas, por exemplo, o ritmo de "Big Wheel" marcado pelo piano, faz uma interessante exploração dos potenciais do piano.

O álbum começa a desenhar-se-nos perfeito quando tomamos consciência de que não se trata só de música, mas também de uma coerente e fenomenal mise-en-scene em que cada personagem interfere no tempo certo, com as palavras, os ritmos e as melodias certas.

Torna-se genial quando, a tudo isto, acrescentamos composições que podem muito bem ser das melhores que esta senhora já fez para piano, os arranjos minimalistas mas certeiros, a escolha do alinhamento, coerente, e todo o imaginário do álbum, suportado pela excelente direcção de arte. Um único defeito em "American Doll Posse"- é muito longo. Ainda que algumas faixas mal ultrapassem o primeiro minuto, vinte e três faixas é uma álbum muito comprido.

Depois, musicalmente, o que há são canções simples, quase solos, como "Yo George" ou o fantástico "Devils and Gods"; canções que procuram uma estética mais profunda, como o belíssimo "Bouncing Off Clouds" ou "Secret Spell"; e registos mais rock e agressivos como o contagiante "Teenage Hustle", ou o isaltado "Body And Soul".
Como é que no décimo primeiro álbum Tori conseguirá manter a fasquia de qualidade que ela mesma colocou com "American Doll Posse", não sei. Mas acredito dela. Depois disto...

Da esquerda para a direita, Santa, Clyde, Isabel, Tori e Pip

Veredicto Final_ 20/20

Katia Guerreiro: Tudo Ou Nada

CANTO DA FANTASIA

Sendo uma das mais brilhantes fadistas da corrente do chamado "novo fado" iniciada em 1990 por Mísia, Katia Guerreiro começou por "Fado Maior" e, com o timbre e a força da sua voz, acabou por chamar a atenção do público, que lhe deu toda a atenção, não só em Portugal, como no estrangeiro. A "Fado Maior" sucedeu-se "Nas Mãos Do Fado", onde interpreta António Lobo Antunes e Sophia de Mello Breyner da forma que podíamos imaginar tais escritores cantarem os seus poemas que, á partida, são os seus sentimentos.

Em "Tudo Ou Nada", Katia faz uma ponte entre o universo do fado mais contemporâneo, e o fado mais antigo, um com a utilização de letras mais eruditas, outra pela utilização de poemas mais populares. Nada contra.

O álbum inicia com "Disse-te Adeus Á Partida, O Mar Acaba A Teu Lado", com poema de António Lobo Antunes. O título diz tudo. A melancolia da letra fica perfeitamente enquadrada no fado tradicional em que foi colocada, e a voz de Katia adapta-se com toda a perfeicção a essa mesma melancolia. O tema de abertura é também, provavelmente, o de maior beleza de todos os temas. No lado oposto temos "Ser Tudo Ou Nada", que é provavelmente o pior tema de todo o disco.

De parabéns está também Dulce Pontes, autora de "Dulce Caravela", outro dos momentos de ouro do terceiro álbum de Katia Guerreiro, onde esta brilha. Bernardo Sassetti surge em "Minha Senhora das Dores", outro dos momentos cruciais. No total, eles são quatro, sendo o último "Menina do Alto da Serra" de Tonicha, surpreendentemente interessante na versão da fadista açoreana.

Ainda digno de referência são "Quando", "Canto da Fantasia" e "Talvez Não Saibas", quer pelas letras, quer pelas músicas e pelas interpretações. "Saudades do Brasil Em Portugal", de Antonio Carlos Jobim, pode parecer, á primeira vista, incongruente com o restante alinhamento, mas é uma canção tão boa que essa descontextualização acaba por se perder.

A terminar "Tenho Uma Saia Rodada" é possivelmente o tema mais alegre de todo o álbum, numa tonalidade mais folclórica.

É difícil dizer se "Tudo Ou Nada" consegue ultrapassar "Nas Mãos Do Fado", mas, sem dúvida, é uma mudança de terreno, o que, só por si, já vale a audição repetida de mais este álbum.

Juízo Final_ 17/20

Woody Allen: Match Point

CRIME E CASTIGO

Woody Allen é sem sombra para dúvidas um dos cineastas mais influentes da actualidade. Goste-se ou não se goste, todos sabemos pronunciar o seu nome, e todos sabemos o que faz. Os filmes mais recentes, sem serem maus, estão longe de poder igualar obras-primas como "Toda a Gente Diz Que Te Amo" ou "Balas Sobre a Broadway". Isto, até que chegamos a "Match Point". A história começa com uma sequência em que Jonathan Rhys-Meyers surge como voz-off, e que parece, á primeira vista, ser meramente introdutória. Isso é falso. A sequência de abertura diz provavelmente mais sobre o filme do que qualquer outra.

Chris Wilton (Rhys-Meyers) é o protagonista, um simples professor de ténis, que largou as competições, e que, através de um aluno, acaba por socializar regularmente com a rica e importante família Hewitt, acabando por casar com a filha destes, e irmã do seu aluno, Tom. O aluno, interpretado por Matthew Goode, tem um namoro quase de circunstância com uma actriz jovem e bonita, mas já falhada, Nola Rice, interpretada, claro está, por Scarlett Johansson. É por Nola que, em breve, Wilton se apaixonará, enquanto, graças ao seu casamento com Chloe Hewitt, vai ascendendo na empresa da família.

O affair começa, e assim, a obsessão de Chris por Nola vai-se tornando no oposto, ou seja, a obsessão de Nola por Chris, e as consequentes exigências de um divórcio rápido. Não vale a pena continuar a revelar pormenores, até porque isso seria contar a história.
"Match Point" parece não contar, á primeira vista, com uma história inédita, mas é os contornos que Allen lhe desenha que tornam o filme numa referência obrigatória na sua filmografia.
Quanto aos actores, eles estão, claro, muito bem. Jonathan Rys-Meyers acaba por, com ou sem intenção, lembrar o seu próprio papel em "Velvet Goldmine", principalmente nas primeiras sequências em que o vemos. Consegue, de resto, uma excelente performance. Johansson, apesar de não ter uma má interpretação, não deixa de ter a seu cargo um papel previsível, que parece ter sido feito para ela, mais do que parece ter sido ela a adaptar-se a ele. Emily Mortimer é também impressionante, e foi claramente escolhida a dedo para o papel de Chloe: o seu ar frágil e suspectível vai perfeitamente de encontro á personagem que encarna.

Allen, como de costume, conduz-nos na sua história através de pormenores discretos, conduz-nos ou engana-nos, e, pelo meio, acrescenta marcas da sua própria cultura, como nos habitou desde sempre.

Uma nota muito positiva para a cena em que Nola e Chris se conhecem, na casa dos Hewitt. Apesar dos planos serem simplificados, a interacção entre Rhys-Meyers e Johansson, e o respectivo diálogo é assinalável.

Juízo Final_ 19/20

Lídia Jorge: Combateremos a Sombra

SALA DE PÂNICO

A capa do nono romance de Lídia Jorge, “Combateremos a Sombra” coloca-nos defronte um homem vestido de preto, segurando um ramo de rosas vermelhas em riste para uma cidade cinzenta. Em riste como quem tenta fazer proliferar a cor no incolor, a luz na sombra. Nada mais apropriado. Logo nas primeiras páginas, somos apresentados a Osvaldo Campos, psicanalista de Lisboa, e é sobre ele que monologarão não só o próprio, como também Maria London Loureiro, psicanalisanda a que o protagonista se refere como “A Paciente Magnífica”, Ana Fausta, a secretária, e Rossiana de Jesus Inácio, que se tornará a namorada.
A genialidade de Lídia Jorge começa logo aqui: como contar uma história usando as personalidades de quatro pessoas tão heterogenias? A escritora algarvia, de 60 anos, sabe, e muito bem. Cada um interfere e é referido no momento certo, de maneira que a história se desenvolve sem o recurso a lugares-comuns e aos habituais truques para criar suspense no leitor.
E se se fala em brilhante, há que referir também a maneira como, em particular pela presença de Maria London Loureiro, o protagonismo gradualmente deixa a psicanálise e passa para o esquema de tráfico humano e de droga que Osvaldo descortina: o professor Campos que encontramos no início, completamente absorvido pelos delírios dos seus pacientes e sem tempo para si mesmo, não é o mesmo que encontramos já nos últimos capítulos, que mal tem tempo para a psicanálise, de tanto querer salvar o Mundo, de tanto querer combater a sombra…
Por atender certos pacientes, sem lhes cobrar (Os “miserabilus”.), Osvaldo Campos acaba por ter, deitados no seu divã, os personagens-tipo da sociedade actual portuguesa, e, ainda por cima, entregando-lhe tudo, até o subconsciente. O Eça não faria melhor. Mas mais que expor a sociedade á psicanálise, Lídia Jorge deixa Osvaldo Campos em frente a um esquema de tráfico que passa pelo Prédio Goldoni, onde o psicanalista tem o seu consultório. É através deste esquema que os personagens se entrelaçam como um novelo, e que a escritora retrata aqueles que são dois dos maiores podres desta sociedade em que vivemos: a inércia e o comodismo.
“Não suportamos enfrentar a cara do culpado” diz Lídia Jorge, em entrevista ao Ípsilon. Não, não suportamos, e este livro mostra-nos isso, e sem nos deixar espaço para tentar negar ou ignorar que assim é. Todos os dias, andamos na rua, e cruzamo-nos com o Arquitecto London Loureiro, com José Maria Adolfo, e com Junô d´Almeida, vemo-los e sabemos exactamente o que fazem, e, no entanto, não suportamos dizer que são culpados. Nisto, esquecemo-nos que, ao negarmos a existência de um culpado, somos nós mesmos culpados, de ignorar, de não querer saber. Deixamos que a consciência seja apenas uma visita da noite (Como Maria London Loureiro era a visita da noite do seu psicanalista.) e não pensamos com ela durante o dia.
Posto isto, é muito grave, muito perigoso, que este romance seja realmente realista, mas é. É realista, uma crónica dos nossos dias, uma metáfora fenomenal, e, indubitavelmente, o melhor romance de Lídia Jorge.

Veredicto Final: 20/20

Arcade Fire: Neon Bible

A DECIFRAÇÃO

Serve de epígrafe ao romance “O Homem Duplicado” de José Saramago uma frase do “Livro dos Contrários” que diz que “O caos é uma ordem por decifrar”. E não, não me enganei. Este início pertence a um texto sobre o segundo LP dos canadianos Árcade Fire.
Há quatro anos atrás, os nomes de Win Butler ou de Régine Chassagne não diziam nada a ninguém, mas hoje, eles são líderes de uma das bandas mais importantes da cena musical contemporânea, não só pela indiscutível qualidade da sua música, como pelo burburinho que se gerou á volta do septeto.
O álbum “Funeral” (2004), em dez canções, conseguiu fazer correr oceanos de tinta pela imprensa da especialidade, e moveu um sem-número de fãs.

Eis que, em 2007, se dá o aguardado regresso. Chama-se “Neon Bible”. Ao ouvir, sabemos que é Árcade Fire, sabemos que é bom, que é muito bom, sabemos que a pior música de “Néon Bible” consegue ser melhor que a melhor música de muita gente, mas, ao mesmo tempo, sabemos, sem equívoco, que alguma coisa mudou, e que não foi para melhor.

Aquilo que fazia de “Funeral” indefinível, a sonoridade variada, solta, libertina, todo aquele caos, perdeu-se. É triste e cortante, mas é assim mesmo. “Néon Bible” é a decifração do caos de “Funeral”, e isso não é bom, porque, em certos momentos, por exemplo na faixa que dá nome ao álbum, ficamos com a noção de que os Árcade Fire estão perto de se tornar catalogáveis.
Como objecto individual, este segundo álbum não tem quase nada de negativo. Com a excepção de algumas canções mais previsíveis (“Néon Bible”, “The Well and the Lighthouse”.), o som é maximalista, grandioso (“Intervention”.), enérgico (“No Cars Go”.), fluido (“Windowsill”.) e, sem dúvida, agradável. É, por vezes, demasiado composto, não há muitos solos, e pouquíssimas mudanças repentinas de ritmo (Como víamos acontecer em “Crown Of Love”, por exemplo.). Win Butler cai também no erro de variar menos a tonalidade em que canta.
As comparações com o predecessor são inevitáveis, é a natureza humana: sente-se a falta do caos, da rebelião. Agora, tem-se um caos decifrado, que ainda não é ordem, mas está mais perto do que seria desejável. No entanto, não deixa (Mesmo.) de ter grandes canções, que nos rasgam alguma coisa lá dentro: como ficar indiferente a “My Body Is a Cage”, a “No Cars Go” ou a “Intervention”?

Veredicto final: 19/20

Annie Lennox: Bare

A IDADE ADULTA

Não vão assim tantos anos, Annie Lennox era metade dos Eurythmics. Depois, ela lançou-se a solo. “No More I Love You´s” foi, injustamente, o seu tema com mais projecção. Injustamente, porque outros há que mereciam tanta ou mais projecção, e não a tiveram. Mas, enfim, ninguém disse que ao que é bom todos dão atenção, e ainda bem, porque se alguém dissesse estaria a mentir.
“Bare” é a prova disso: lançado em 2003, ao longo de quatro anos, foi-lhe dada pouca importância. E em 4 anos, chegámos ao cúmulo de o Robbie Williams e os Da Weasel serem capa do Blitz, e nem uma palavra sobre Annie Lennox. Mas esqueçamos as injustiças da indústria musical, e passemos ao álbum em concreto: não se trata de um álbum feito ao acaso, longe disso. Bem pelo contrário: a evidente ausência de arestas mal limadas, e o perfeccionismo técnico de cada faixa confirma aquilo que a própria Annie escreve na contracapa do álbum, “I am not a young artist in their early twenties. I am a mature woman…” e eu acrescentaria “mature musicien”. Autora das onze canções, Lennox consegue com elas as suas melhores composições: além das letras escritas com mestria, boas não só por serem claramente intimistas, como também por estarem bem feitas, formalmente; também nas músicas Annie Lennox atinge em pleno uma característica que procurava desde “Medusa”: mesclar a sonoridade dos 80´s com métodos de produção mais actuais. E se, por um lado, os arranjos nos soam perfeitamente a 2003, os ritmos, muitas vezes, levam-nos a 83(+-). “A Thousand Beautiful Things”, “Oh God (Prayer)” ou “Loneliness” são exemplos claros da sonoridade dos anos 90 a impor-se, ao passo que outras como “Honestly”, “Wonderful” ou “Bitter Pill” vivem mais no passado. Nada contra. Bem pelo contrário.
É, enfim, um regresso em grande, que não é por ter sido ignorado que é menos bom. Um destaque também para a capa, com uma foto da autoria de Allan Martin: um grafismo perfeito. Equilíbrio!!!


Veredicto Final: 17/20

António Lobo Antunes: Ontem Não Te Vi Em Babilónia

TERRA DE NINGUÉM

Há 28 anos atrás, António Lobo Antunes era um novo escritor, a publicar (No mesmo ano.) os dois primeiros romances, “Memória de Elefante” e “Os Cus de Judas” (1979). A escrita, aparentemente sem influencias, fez deste psiquiatra não só uma das mais importantes e originais vozes da literatura do pós-25 de Abril, como um dos cronistas mais credíveis da transição do Portugal da época da ditadura, até ao actual, usando com particular incidência os horrores da Guerra Colonial, onde o escritor esteve durante dois anos.
28 anos depois (Visto eu ter gostado do filme “28 Dias Depois”.), com todas as inevitáveis (E ainda bem.) evoluções, a escrita de António Lobo Antunes é uma das mais importantes e apreciadas quer no contexto da literatura portuguesa, quer no contexto da literatura mundial.
“Ontem Não Te Vi Em Babilónia” é o romance mais recente do autor. Nas entrevistas, Lobo Antunes afirma não querer contar histórias, mas sim vidas, e foi o que fez, no seu 18º romance: ele conta as vidas destas pessoas, e entrelaça essas vidas, mas sem criar um enredo, colocando-as a deambular por uma terra sem dono.
Uma noite, estas pessoas não adormecem, têm insónias. Deitadas na cama, revisitam o seu passado, relatam-no, comentam-no, descobrem-no e por vezes, inventam-no. Nem todos os personagens falam o mesmo número de vezes, havendo quatro que se destacam, e essas quatro têm em comum o facto de terem sido testemunhas do suicídio de uma rapariga, que se enforcou numa macieira.
São encontros e desencontros, mas há sempre uma tremenda melancolia, em cada linha, em cada frase que se repete como um eco (Característica muito lobo-antuniana.), há o sofrimento de quatro pessoas vítimas de si mesmas e das suas escolhas. Todas têm um segredo. E vão revelando o seu segredo, sem pressa, aos poucos.
A força do livro é impressionante. É honesto e realista, chegando por vezes a ser agressivo ou a atingir quem lê (O exemplo de uma das personagens que acusa quem lê de ir esquecer-se dela quando terminar a leitura do livro.), revelando-se, no fim, um texto que ultrapassa as potencialidades reais que tem: aquilo que o livro é, na realidade, não oferece muitas possibilidades de este ser um romance assinalavelmente bom, nem sequer no contexto da obra do seu autor; mas a verdade é que é tão bem conduzido, e de uma forma tão pouco enganadora, que acaba por contornar essa condenação prévia.
Ao fim de 479 páginas (Algumas a menos, ainda assim, não seriam fatais.), Lobo Antunes afirma que o que escreve pode ler-se no escuro. E pode. Infiltra-se e morde de tal forma o leitor, que pode ser lido no escuro, talvez seja melhor que nos morda no escuro.
“Ontem Não Te Vi Em Babilónia” é obviamente incapaz de ultrapassar a grandiosidade do magma de romances como “Eu Hei-de Amar Uma Pedra” ou “O Manual dos Inquisidores”, mas é igualmente óbvio que é um dos melhores livros do ano.

Veredicto final: 18/20